SEXPERIENCIAS - JOSÉ MARÍA NUNES

El año 1968 es icono de nuevas revoluciones, revueltas estudiantiles, protestas populares contra la guerra de Vietnam… y también de una época en la que surgió un cine vivo, un cine de la urgencia, muy apegado al momento, que buscaba capturar la esencia de lo que estaba pasando. Un cine en el que libertad temática y formal se daban la mano. En este ambiente surgieron obras como Un film comme les autres, de Jean Luc Godard, El grito, de Leobardo López Aretche o Grands soirs et petits matins, de William Klein.

Por aquellos años en España, tan ajena a todo lo que ocurría fuera de sus fronteras, encontramos sin embargo a varios cineastas trabajando al margen del cine establecido

Concretamente en 1968, Pere Portabella rodó Nocturno 29, una película protagonizada por Lucia Bosé, y por la que desfilan algunas de las personalidades artísticas más destacadas del momento: Joan Brossa, Antoni Tapiés o Antonio Saura, una obra de corte experimental, en la que queda patente la máxima que el propio Portabella enunció “Para llegar a un lugar desconocido hay que hacerlo también por caminos desconocidos”. José Antonio Maenza, uno de nuestros cineastas más malditos sino el que más, realizó El lobby contra el cordero y José María Nunes, iniciador de ese icono del cine de vanguardia que fue la Escuela de Barcelona, filmó Sexperiencias, una de las películas más libres, que hayan surgido en la cinematografía española.

MI LOCO ERASMUS - CARLO PADIAL

A vueltas con el posthumor. A vueltas con Ricky Gervais, Lenny Bruce y Andy Kaufman. A vueltas con todo, por que Didac Alcaraz el protagonista de Mi loco Erasmus, puede con todos los conceptos, con todos los humoristas y con toda la crítica, con esta por supuesto también, ninguno le hacemos justicia. 

Didac es otra cosa, es lo nunca visto en pantalla o en directo gracias a los shows del programa, Go Ibiza Go!. Una persona/personaje sorprendente y apabullante por el que hay que dejarse llevar.
Más allá de la risa, está la guasa y de eso sabe un rato el director de esta película, Carlo Padial, miembro de Los Pioneros del SXXI.

LOS ABRAZOS ROTOS - PEDRO ALMODÓVAR

Hace tan solo unas semanas que se estrenó pero ya se ha hablado incluso demasiado de, Los abrazos rotos e injustamente ha recibido malas criticas. No es una película perfecta ni la mejor obra de Almodóvar pero está hecha con pasión y es ante todo una historia dedicada al propio cine. Solo por eso ya es, mucho más que el resto de la producción anual.

Hace catorce años, el escritor conocido como Harry Caine sufrió un accidente que le dejó sin sentido de la vista y sin su amada Lena. Atrás quedó también su verdadero nombre, Mateo Blanco, con el que firmaba todas las películas que dirigía. Ahora, sobreviviendo gracias a los guiones que escribe, Harry cuenta con el apoyo de su fiel amiga Judith y del hijo de ésta, Diego. Pero Diego sufre un accidente, y durante su convalecencia, Harry decide contarle su verdadera historia como si de un guión de cine se tratara.

Los abrazos rotos se convierte en una mezcla de estilos y esto le perjudica. Funciona, la parte central de melodrama homenajeando al gran Rossellini de “Viaje a Italia” y me gusta también la comedia con la que se hace un guiño a sí mismo con Mujeres al borde… porque puede y porque yo lo valgo. Sin embargo y aunque ya incidió en La mala educación, Almodóvar se pierde a la hora de reflejar el cine negro, la parte thriller de la película no funcionaba entonces ni tampoco ahora.

El reparto es espectacular pero no todos molan por igual. Harry Cayne/Mateo Blanco está interpretado por el grande Lluis Homar (que después de sus últimas apariciones en la serie de TVE sobre el 23F, Caótica Ana o sin acreditar en Vicky Cristina Barcelona se convierte en unos de nuestros actores más prolíficos y bizarros, no le hace ascos a nada) Penélope Cruz ya con un Oscar en casa, merecido mal que le pese a la envidia nacional, en el papel de la sufrida Lena, uno de los más maduros de su carrera, secundados por José Luis Gómez y Blanca Portillo dos interpretes que a estas alturas no necesitan presentación.

Por otro lado, están Rubén Ochandiano y Tamar Novas que tienen personajes poco creíbles y con frases de guión que en ocasiones provocan risas. Ochandiano hace el mismo papel, Ray X en dos etapas distintas. De adolescente como el pesadito hijo de Jose Luis Gomez, tiene su gracia, camara vhs en mano, obsesivo y resuelve sin embargo la cosa se pone más fea cuando se convierte en joven director de cine homosexual empecinado en escribir un guión con Harry Cayne, ahí mete la pata. Tamar Novas sale mucho, demasiado y algunas de sus secuencias por ejemplo en la discoteca donde trabaja no tienen precio, por malas. Las breves apariciones de Dani Martín y Alejo Sauras son bastante terribles con lo que queda claro que a Pedro Almodovar se le siguen dando mucho mejor las actrices y el universo femenino.

Bien Pé y Blanca Portillo (aquí alter ego de la productora del el deseo, Esther García) pero sobre todo bien las pequeñas pero desternillantes apariciones de, Carmen Machi, Rossy de Palma, Kity Manver, la entrañable Chus lampreave y sobre todo, Lola Dueñas, divina en su papel de lectora de labios.

La película está rodada entre Madrid y Lanzarote, nueva referencia al Rossellini de Stromboli.
Estamos ante la película más ambiciosas, más cara y una de las más personales de Almodóvar. Sin embargo queda lejos de la perfección formal de Volver. Veremos con ganas como es la siguiente.

THE VISITOR - THOMAS McCARTHY

Lo mejor de esta película, es su protagonista el genial Richard Jenkins, merecida nominación al Oscar este año, en su papel del anodino profesor universitario, Walter Vale.

Después del gran éxito internacional de su ópera prima, The station agent (Vias cruzadas) el director, Thomas McCarthy regresa a las pantallas con una bonita historia sobre la integración racial en el marco del NY post 11S.

El profesor de economía, Walter Vale parece haber perdido la vocación por la enseñanza. Ha intentado cultivarse en otras artes, su esposa fue una excelente pianista, sin demasiada suerte, así que cuando la universidad le envía a una conferencia en Manhattan, decide aceptar para cambiar de aires. Nada más llegar a su apartamento de Nueva York, se encuentra a una joven pareja viviendo. Tarek, de nacionalidad siria y su novia senegalesa han caído en una estafa inmobiliaria y no tienen a donde ir así que Walter, amablemente les ofrece alojamiento.

La película cuenta con una primera parte intimista donde conocemos a los cuatro personajes protagonistas sin ahondar en el sentimentalismo. Haaz Sleiman, da vida al músico percusionista, Tarek en su primer gran papel en cine y Danai Jekesai Gurira es su novia. Destaca, la actriz palestina, Hiam Abbass (vista recientemente en Los limoneros) como la madre de Tarek.
Las relaciones que se establecen entre todos ellos son deliciosas y nos hacen creer al menos un poquito en el ser humano en mitad de una sociedad ingrata y cruel hasta decir basta.
La humanidad que desprende, Richard Jenkins hereda el peregrinaje huraño y desarraigado de Peter Dinklage en "Vías cruzadas", reencontrándose consigo mismo en la impudorosa apertura hacia el mundo exterior, hacia la mano tendida de los extraños.

La segunda parte aún sin caer en absurdos maniqueos si se centra más en una critica a lo que fue la infame administración Bush en política de inmigración después de la catástrofe de las torres gemelas. MacCarthy retrata entonces a una nación atemorizada con funcionarios paranoicos que desprecia la constructiva diversidad y se deshumaniza y aliena por culpa de una psicosis nacional y colectiva que se ceba con el más débil, el inmigrante. Es en este punto donde se le puede tachar al director de “demasiado partidista” y tierno con este sector de la población.
Si es de agradecer en la forma de trabajar del director que no se ciña solo en la verborrea de sus personajes con diálogos interminables como en la mayoria de las películas del cine indie americano. MacCarthy se ha convertido en un director sensible, serio y preciso a la hora de trabajar con los directores. Solo por el parco y entrañable profesor con sueños de músico que interpreta Jenkins ya merece la pena ver esta película que sin lugar a dudas deja un bonito recuerdo en el espectador.

En el estreno en Madrid estuvieron presentes el director Thomas McCarthy y la actriz Hiam Abbass

THE WRESTLER - DARREN ARONOFSKY

Darren Aronofsky (Pi, Requiem por un sueño) siempre interesante, firma su mejor película hasta la fecha con, The Wrestler-el luchador- una historia honesta, valiente, directa y emocionante que sin duda es desde ya una de las mejores de este, 2009.

Mickey Rourke, inmenso es el protagonista, él y nadie más que él podia dar vida a Randy El carnero" Robinson. Durante los años 80, Randy fue el luchador más famoso de la lucha libre americana. Ahora combate en colegios y asociaciones de pueblo. Su decadencia fisica es evidente pero él lleva su vida con bastante humor hasta que sufre un infarto después de una pelea.

Randy entonces, se verá solo e intentará acercarse a su hija adolescente, Stephanie (Evan Rachel Wood) a la que abandonó siendo niña. También intenta vivir un romance con una stripper (impresionante, Marisa Tomei) que tampoco está pasando su mejor momento. Pero pese a su estado no podrá dejar de sentir una vez más la gloria del publico y salir a la canha para enfrentarse con otra vieja leyenda, el Ayatollah su gran rival de entones.

El luchador es mucho más que una película deportiva pero tambiés es mucho más que un drama humano. Es una joya, dificil de ver, algunas secuencias son como una patada en el estómago, que termina por convertirse también en una dura critica a la sociedad del bienenestar americano.

El infierno por el que pasa el protagonista está, impecablemente filmado con pulso firme por Darren Aronofsky, digno sucesor de Martin Scorsese y Stanley Kubrick en el uso de la steady-cam. Resulta impresionante como retrata la sordidez de los ambientes, la humanidad de todos y cada uno de los personajes. Seres heridos que si no viven, sobreviven en un mundo que se les ha vuelto en contra.

No puedo parar de hablar del inmenso Mickey Rourke. Finalmente Sean Penn le robó el Oscar, supongo que Hollywood no ha querido perdonarle sus desfases y es una pena y es triste porque su interpretación emociona y está llena de matices, la de Penn como el militante Harvey Milk, no, se queda en un sucedaneo frente a Rourke. Su fisico, su cuerpo torturado es arte en cada imagen, en cada fotograma de esta película. Los mismos elogios van para su compañera, Marisa Tomei, que demuestra con un personaje en principio cargado de topicos (cuarentona, bailarina en decadencia, madre soltera etc) brillar y ofrecernos un recital interpretativo que aix es que todo es poco para esta pareja.

La música original de Clint Mansell no llena tanto como la de Requiem for a dream pero sí engancha el soundtrack repleto de temas metaleros de los 80, el protagonista es un gran amante del rock y a destacar el tema original de los creditos finales con otro maestro, Bruce Springsteen.

Obra maestra. Hay que verla, no puedo escribir más porque me emociono, de nuevo.

VIAJE A DARJELING - WES ANDERSON

¡Que ganas de que se estrenara lo nuevo de Wes Anderson! Después de haberlo flipado hace 3 años, con la genial: The life acuatic! Viaje a Darjeling se hacia esperar y el resultado es, una buena película, contiene un poco de todo el universo Anderson pero no resulta tan genial como sus predecesoras (The life acuatic y The Royal Tenembaums) quizás por contar en esta ocasión con una estructura más formal, más clásica. Aún así es ya sin duda una de mis favoritas del 2008 y es que tan solo un poquito de la estética Anderson y toda su trouppe, me aporta más que la mayoría de lo que nos llega a la cartelera.
Tres hermanos que llevan un año sin hablarse, emprenden un viaje en tren por la India con la intención de encontrarse a ellos mismos y volver a estrechar lazos. Sin embargo la búsqueda espiritual se va torciendo y terminan en mitad del desierto del Rajastán tirados con 11 bonitas maletas Louis Vuitton, parte esencial de la historia y una nueva búsqueda por delante.La película, empieza con un cortometraje, Hotel Chevalier, independiente al largo pero que sirve como prólogo para conocer a uno de los hermanos Whitman, Jack (el músico y actor, Jason Schwartzman) aunque tampoco aporta grandes cosas la verdad. Lo mejor, la vista de París que se divisa desde el hotel y la presencia de la actriz Natalie Portman, guapísima, elegante, se desnuda por primera vez en el cine y aunque después la chica se ha arrepentido lo cierto es que sus muchos fans están, estamos encantados aunque está demasiado flaquita. El cortometraje puede descargarse en el itunes americano pero también puede verse en español aquí.
El guión está firmado por Wes Anderson, Roman Coppola (hijo de Francis y hermano de Sofia, ala!!) y Jason Schwartzman (era el rey de Maria Antonieta. Sobrino de Francis y primo de Sofia, Roman y Nicolas Cage, ala!!) La película se sitúa en un tren (en la anterior estaban en un barco) un escenario siempre increíble para contar historias en el cine y esto da el suficiente juego para los encuadres frontales, marca de la casa. India, sus paisajes, sus colores, la espiritualidad y hasta los olores son un protagonista más.
La energía de sus habitantes y los contrastes con los que se van encontrando como pijos occidentales que son perdidos en un país asiático, cambiará el modo de ver la vida de los tres hermanos. Además de Schwartzman, los otros dos hermanos están protagonizados por Adrien Brody (lo mejor que ha hecho junto con El Pianista) y un habitual en el cine de Wes Anderson; el rubio, Owen Wilson. Owen, es Francis, el hermano mayor y aparece durante toda la historia con la cara vendada por culpa de un accidente o intento de suicidio.
La catarsis que sufre su personaje, le hace reflexionar y querer juntar de nuevo a la familia. Hace unos meses, espero que esta peli no fuera para nada un presagio, Owen Wilson tuvo un intento de suicidio después de separarse de la actriz Kate Hudson, del cual todavía, está convaleciente.
Otra habitual en toda la filmografía de Anderson, es actriz, Angelica Huston que aquí con el pelo blanco y cortisimo, interpreta a Patricia, la madre, verdadero punto de unión entre los hermanos. Una mujer de carácter, que sí se ha encontrado a sí misma y vive recluida en un monasterio de las montañas como misionera.
Está claro que sumergirte en el mundo marciano de Anderson te hace olvidar todos los males y la monotonía del día a día así que hay que verla, no defraudará a nadie. La banda sonora es impecable incluyendo temas entre otros de los Kinks y además se camea Bill Murray.

THIS IS ENGLAND - SHANE MEADOWS

This is england arranca fuerte y crees entonces que vas a ver una gran película pero 20 minutos después la historia da un giro y se convierte en una historia simplona. Así que uno se termina decepcionando bastante y aunque no me arrepiento de haberla visto sí que viniendo de Shane Medows, el director de Twentyfourseven, me esperaba algo mucho más cañero.Verano de 1983.
Shaun tiene 12 años y es el último día de clase antes del verano. Shaun, es el jovencísimo Thomas Turgoose, lo más destacado de la película, su interpretación es realmente increíble, hacía mucho que no se veía a un chaval con tanta tanta fuerza, de hecho solo por este protagonista merece verse.
Bueno, Shaun es un chico solitario que crece en un pueblo costero sin padre, ha muerto en esa guerra absurda que fue la de las Malvinas y todos se ríen de él porque en los 80 eso de vestir con pantalón campana como que no se lleva bien. La verdad es que la vida le trata mal hasta que se topa con un grupo de skinshead locales que “le adoptan”.
Con ellos, Shaun cambia su punto de vista, conoce las fiestas, las chicas, los tirantes, el ska y las botas Dr. Martins. Hasta aquí, todo va bien. El director describe con frescura los malos tiempo de la era Thatcher y refleja la cultura skin sin enjuiciarlos o tacharlos meramente de violentos y racistas. De hecho, está bien que se explique el fenómeno skin desde que surgieron en Londres durante los años 60.
Entonces pertenecían a las bandas skinheads, tanto los chicos blancos como los negros, uniéndoles a ambos su procedencia obrera y la música ska originaria de Jamaica. Esa primera parte de la cinta parece que tiene bastante que ver con la propia infancia del director en la anodina Inglaterra rural y se ve bien. El giro, viene cuando irrumpe en escena, Combo (interpretado por Stephen Graham) un ex convicto bastante insoportable que le lava el cerebro al pobre Shaun. Combo es un mal estereotipo de skin violento que va por ahí asustando a las minorías étnicas, en Inglaterra, “los llamados pakis”.
Desde la entrada de Combo, la película se vuelve predecible, sensiblera y videoclipera en cuanto a planificación se refiere. Cayendo en todos los tópicos, uno ya deja de prestar atención a lo que ocurre en pantalla.
Lo peor, llega con el poco creíble proceso de maduración que parece sufrir el protagonista cuando al presenciar una pelea entre Combo y un chico negro, Shaun abre los ojos y dejará de creer en sus “amigos skinheads” menos mal, que en el ultimo plano no vuelve a vestir con pantalón campana aunque el final es de todo menos original porque con la mirada perdida y solo en mitad de una playa, el rostro de Shaun parece superponerse al de Antoine Doinel en la inolvidable: Los 400 golpes. Pues eso, ¡vivan los Enfants terribles!

INTERVIEW - STEVE BUSCEMI

En 2003, el cineasta holandés Theo Van Gogh, dirigió la película Interview. Tras su exitoso pase en el festival de Toronto, en su mente y en la de sus productores estaba la idea de rodar en Nueva York un remake en inglés.
El proyecto se vio frustrado cuando el 2 de noviembre de 2004, el director fue asesinado a manos de un fundamentalista, al que parece ser que no le gustó la visión que daba del Islam en su cortometraje “Submision: Part 1”Como homenaje a la memoria de Theo, los productores Gijs van de Westelaken y Bruce Weiss emprendieron un nuevo proyecto bajo el nombre de Triple Theo, consistente en la realización de tres remakes de sus películas más emblemáticas: 06, Blind date e Interview todas ellas centradas en las relaciones personales entre un hombre y una mujer. Para llevar a cabo el proyecto se pusieron en contacto con tres directores neoyorkinos, Steve Buscemi, Stanley Tucci y Bob Balaban, en 2005 se presentó el proyecto en Toronto y a partir de ese momento se pusieron manos a la obra.Interview ha sido la primera en estrenarse, dirigida e interpretada por Steve Buscemi, se presenta como una combate de boxeo entre un reputado reportero de guerra en horas bajas y una joven estrella de la televisión, complicado papel que encarna Sienna Miller ya que juega en el límite de un peligroso herself, solventado con gran frescura.La historia: A Pierre Peders le encargan que entreviste a Katya, estrella del cine de terror adolescente y los culebrones.
Es evidente que a un periodista que ha estado en guerras, conflictos y acontecimientos políticos por todo el mundo, éste le parece un trabajo menor, y que difícilmente una famosa frívola y superficial le va a aportar nada interesante.
Pero las apariencias engañan y poco a poco según va avanzando la noche la conversación hace aflorar las profundas heridas que marcan a los personajes. La acción se desarrolla en un lujoso loft neoyorquino, que actúa como un gran escenario teatral por el que se pasea la pareja protagonista.
El rodaje se realizó a la manera de Van Gogh y con un equipo de cámara holandés que ya había trabajado con el director. Se utilizaron tres cámaras digitales simultáneamente, lo que permite más libertad de movimientos y espontaneidad a los actores, y acortar el tiempo de rodaje, tan solo duró 9 días. Sin embargo, este estilo de cine que por momentos parece teatro filmado, también tiene sus inconvenientes y si bien es verdad que los actores trabajan con una gran libertad y fluidez consiguiendo así unas grandes interpretaciones, la película pierde en intensidad narrativa y ritmo fílmico.
En cuanto al guión, es una historia muy bien construida, mordaz, con grandes dosis de ingenio, intriga y tensión sexual que acaba de forma totalmente inesperada.Merece la pena ver la película, principalmente por el duelo interpretativo entre el agudo Pierre y la tonta más lista que se ha visto en mucho tiempo Katya, tanto Buscemi como Miller están sublimes y teniendo en cuenta que la película es un historia de personajes tiene bastante terreno ganado.

LARS Y UNA CHICA DE VERDAD - CRAIG GILLESPIE

Da gusto ver una película protagonizada por Ryan Gosling, el chico se ha convertido con tan solo dos o tres papeles como protagonista en el mejor actor del momento, sirva de ejemplo el nazi-judio de The Believer , el conflictivo profesor de Half Nelson o el Lars de esta, Lars and the real girl (Lars y una chica de verdad) donde es un chico tímido y enormemente encantador con algunos problemas de sociabilización, aunque quien no, en estos tiempos.
Lars, no resulta ningún freak, como he leído en otras críticas, tampoco tiene demasiado que ver con el Michel Piccoli de Tamaño Natural la obra maestra de Berlanga, el único nexo común en ambos es la aparición de una muñeca hinchable pero nada más. Porque el sádico Piccoli era un pervertido, en el mejor sentido de la palabra y el pobre Lars, tan solo sufre un delirio.Lars es un chico que vive en un pequeño pueblo de las montañas. Vive solo en el garaje desde que sus padres murieron pero tiene como vecinos en la casa grande, a su hermano mayor y a su cuñada embarazada.
Ella, está interpretada por la actriz inglesa, Emily Mortimer y si no fuera por su estupenda vis cómica el personaje resultaría demasiado blanco y candido. De hecho ese problema se extiende a toda la película y es que aunque funciona, contiene toda la historia un poso de sosería que empareja a su director, un casi desconocido, Craig Gillespie en algo así como, el alumno aventajado de Frank Capra.Durante la primera parte de la historia, el espectador se rie mucho, muchísimo con el descubrimiento de Bianca, la muñeca hinchable que Lars compra por internet para que se convierta en su novia. Se suceden entonces una serie de situaciones cómicas entre sus compañeros de trabajo, familiares etc. Siendo la mejor, la presentación de Bianca a su hermano en la cena de bienvenida.
La cosa da un giro cuando entra en escena, una doctora (Patricia Clarkson, que no para de trabajar, está también en los repartos de Elegí y Vicky Cristina Barcelona) que alienta a su familia a seguirle la corriente para que no sufra y con ellos, todo el pueblo en plan “Que bello es vivir”.
El acierto, es que como Bianca, no deja de ser una muñeca, las situaciones no terminan resultando del todo empalagosas o con moralina y aunque las risas van mermando a lo largo del metraje, no es una película sensiblera. Destaca el componente psicológico de Lars, realmente Bianca, no sustituye a una novia real sino que actúa como prolongación de si mismo en su apertura a relacionarse con los demás.
La muñeca le sirve para conectar con sus paisanos y cuando ya ve que no le hace tanta falta como al principio es cuando empieza también a cogerle manía. Porque, además, en un principio es la personalidad de Lars lo único que refleja, pero cuando son los demás quienes se dejan ver a través de ella y la muñeca ya no es sólo su extensión, sino la de todos los demás, el protagonista deja de aceptarla y literalmente, la mata.
En definitiva se trata de una fabula divertida, algo emotiva y sentimental pero bien escrita, su autora, Nancy Oliver, consiguió una nominación al Oscar este año y sobretodo bien interpretada, que no es poco.

BALLAST - LANCE HAMMER

Una de las mejores películas programadas en la sección oficial de la 46 edición del Festival de cine de Gijón fue Ballast. Ópera prima del californiano Lance Hammer, es una película muy cruda sobre la vida en el Delta del Mississippi.
La historia está construida con un estilo casi documental. Presenta a una familia desestructurada, que se rompe definitivamente con el suicidio de Darius, el eslabón que unía ambas partes. No penséis que estoy desvelando nada, éste es el arranque de la película.Con una sencilla puesta en escena y un guión que reparte la información de forma muy dosificada, vamos conociendo a los tres personajes que conforman la historia.
La ex-mujer de Darius, Marlee (Tarra Riggs), su hijo James (Jim Myron Ross) y su hermano Lawrence (Michael J. Smith).
Los problemas que azotan a estos tres personajes, van aumentando a medida que avanza la historia, Marlee es despedida de su trabajo, James tiene problemas con las drogas y con los camellos y Lawrence encerrado en sí mismo, deja de lado el contacto con la realidad para quedarse en casa.Los tres personajes están condenados a entenderse, por un lado comparte un terreno y viven uno frente al otro, por otro lado comparten un profundo dolor y se necesitan para no precipitarse al vacío, para sobrevivir.
El ambiente desolador que puebla todo el paisaje de la película, está perfectamente retratado a través de una fotografía, grisácea, pesada, que parece oprimir a todos los que por el Mississippi habitan.
Esta desolación se acentúa con la puesta en escena, en la que sólo vemos lo esencial, ningún elemento permite distraerse de lo fundamental, los personajes. Como ejemplo, una secuencia que me llamó particularmente la atención. Lawrence, después de varios días encerrado en casa, decide que ya es hora de salir a hacer algo y va a un bar. Lo vemos en primer plano, todo el fondo fuera de foco y oímos algo de música y dos bolas de billar que chocan. Esta es toda la referencia que tenemos del local, nunca vemos un plano general del bar, ni a más clientes, ni al camarero, simplemente el sonido de dos bolas de billar que chocan nos indica que está en un bar.
Sin lugar a dudas estamos ante una de las mejores películas del año, premiada en Sundance (Mejor director y mejor fotografía) y aquí en Xixón (Mejor Actor ex aequo para Michale J. Smith y Jim Miron Ross) y junto con Frozen River de Courtney Hunt y Rachel getting married de Jonathan Demme lo mejor que nos ha llegado este 2008 desde EE.UU.

ESTÓMAGO - MARCOS JORGE

Una de las películas más esperadas de la sección Esbilla de la 46 edición del Festival de cine de Gijón, era Estômago, ópera prima del brasileño Marcos Jorge, venía precedida de su éxito en la Seminci de Valladolid, donde se alzo con los premios a la mejor película, mejor actor y mejor nuevo director.
La principal virtud de Estômago, es haber hecho en clave de comedia una historia que entre otros trata temas sociales como son la pobreza o la superpoblación carcelaria.Gracias a una puesta en escena un tanto barroca, la mezcla, Brasil, sexo y comida dan para ello y una banda sonora cuyo tema principal tiene una melodía con aires a Pascal Comelade o Mastretta, el director construye un ambiente cálido y excesivo que va embriagando poco a poco al espectador, introduciéndolo en la vida del protagonista.
Estructurada en dos tiempos, vamos conociendo a Raimundo Nonato, papel interpretado por el actor Joao Miguel quien, con gran solvencia, da vida a un pobre diablo con pocas luces pero que guarda dentro de él a un ser astuto y algo maquiavélico, que sin hacer mucho ruido va logrando sus objetivos. Según explica Raimundo en la voz en off inicial, su nombre es el que reciben los huérfanos en Brasil. La película arranca con el protagonista llegando a la ciudad, sin nada que comer, ni un sitio donde dormir, por otro lo vemos preso en la cárcel. Ambas historias se van entrelazando, siguiendo un esquema narrativo muy parecido, que consiste en ir conociendo el ascenso del protagonista dentro del mundo que le rodea. Raimundo consigue mejorar su nivel de vida en ambos casos gracias a sus dotes culinarias.
Al llegar a la ciudad comienza a trabajar en un triste bar a cambio de comida y cama, poco a poco lo convierte en un bar de lo más concurrido gracias al éxito de sus exquisitas coxinhas. Allí conocerá a Iria, una prostituta con un apetito voraz, con la que comienza un placentero intercambio de sexo por comida y a Giovanni, dueño de un restaurante italiano que le ofrece trabajar con él.
Como preso en la cárcel, le encierran en una celda con 8 presos más, un lujo teniendo en cuenta que en otras hay hasta 35. Allí coincidirá con el jefe del lugar, el que ordena y manda como se tienen que hacer las cosas. Mejorar con un poquito de romero y cuatro cositas más la comida que sirven en la cárcel, le permitirán acercarse a él e ir escalando puestos en el escalafón de la prisión.Desde un principio sabemos que el ascenso que va consiguiendo poco a poco en su vida diaria, acabará con sus huesos en la cárcel, la cuestión es conocer que motivo será el causante de ello.
Estômago es una de esas películas que deja a todo el mundo contento, la historia está bien contada, te ríes con un protagonista con el que, pese a sus defectos, es fácil empatizar y tiene algunos momentos grotescos que se salen del cine convencional, sin embargo, a fin de cuentas se queda sólo en una película amable, en manos de Marco Ferreri hubiera sido otra cosa.

LA MUJER RUBIA - LUCRECIA MARTEL

Dentro del ciclo que, la 46 edición del Festival de cine de Gijón ha dedicado a la directora argentina Lucrecia Martel, se proyectó su nueva película La Mujer rubia.
Compleja, silenciosa, sudorosa, siniestra un punto maquiavelica así son las películas de la argentina Lucrecia Martel, rara avis del cine no solo latinoamericano si no mundial. Verónica, ( la reputada acrtriz María Onetto) de clase acomodada, atropella "algo" con su coche una noche lluviosa y frena unos metros después, pero ni siquiera se atreve a bajar y mirar qué es.
Ese suceso la sumirá en un estado depresivo o más aún reflexivo, que la irá consumiendo poco a poco. La incertidumbre (¿qué o quién ha matado?), la culpa, incluso la ausencia de cadáver que algunos han enlazado con los desparecidos de la dictadura forman una especie de metáfora que convive sin moverse junto a lo que sale en la pantalla: un primer plano de la actriz, protagonista rubia , una interpretación muy difícil , sin texto, sin gesto y con la mirada perdida porque la protagonista está cansada y no le guste lo que ve realmente lo que tiene a su alrededor.
Su mejor arma es la minuciosidad, su cualidad contemplativa y la estética de cada encuadre que ya demostró en sus filmes anteriores, La niña santa y sobre todo la críptica, La ciénaga.
No es fácil entrar en esta historia, no es una película mainstream para todos los públicos quizás ni a mí me entusiasmó durante el visonado pero después es una de esas historias que se queda en la memoria y da para diversas lecturas.
Llama la atención el bellísimo cartel. La cabeza de una mujer de perfil sin rostro y con una maraña de rizos donde predomina el color rojo. En principio el titulo original iba a ser: La mujer sin cabeza pero ya existía otra película así y tuvieron que cambiarlo.
Por segunda vez, cuenta en la producción con El Deseo de los hermanos Almodóvar y es normal que le guste a Pedro porque Lucrecia cuenta con un personal estilo que tiene a la mujer y a lo femenino siempre como máxima protagonista, aquí hasta con alguna connotación lesbica de parte del personaje de las jovencisima Inés Efrón (la adolescente de XXY) en el papel de Candita.
Rara e inquietante repito para llamar vuestra atención deciros que es algo así como un cruce entre Muerte de un ciclista y una película de David Lynch tiene más de este ultimo porque en realidad, puede que ni si quiera atropellara a nadie pero eso le sirvió para cambiar aunque solo fuera por unos días la rutina de su vida de clase alta y ya está.
Es por esto que no gustó a la critica de Cannes, demasiado encorsetados como para verse relejados en Verónica.

ENTRE LE MURS - LAURENT CANTET

Posiblemente la mejor película de este año. Se estrenó en la 56 edición del Festival de San Sebastián después de ganar la Palma de oro en Cannes.
Una película necesaria que sirve para dar una patada en el estómago a Nicolas Sarkozy y todos los políticos que ningunean el valor de la educación entre nuestros jóvenes. Entre les murs, es una película mágica que bordea los limites entre realidad y ficción convirtiéndola en un interesantísimo experimento que refleja maravillosamente la situación actual de toda Europa.
La historia arranca cuando el director, Laurent Cantet (El Empleo del tiempo, Viaje al Sur) vecino del colegio, donde se desarrolla toda la película. pidió permiso al director del centro para rodar una historia basada en el libro de François Bégaudeau, profesor de francés en el François-Dolto que interpreta en el filme, su propio papel.
Logrado también el visto bueno del Rectorado, se crearon talleres de cine los miércoles por la tarde abiertos a los alumnos.
De ahí salieron seleccionados los 24 adolescentes que rodaron en cinco semanas, de principios de julio a principios de agosto de 2007, las secuencias que transcurren en las aulas.El instituto François-Dolto está en un barrio popular y multiétnico situado en el este de París. Catalogado como Zona de Eduación Prioritaria (ZEP) tiene 450 alumnos con dificultades y orígenes diversos. La película fue toda una sorpresa en Cannes y en todos los festivales en los que ha participado siendo considerados después de cada proyección, auténticos héroes tanto profesores como alumnos.Laurent Cantent era ya antes de filmar con tan buen pulso esta película uno de los realizadores más interesantes del ultimo cine europeo.
Encaja aquí además con 2 títulos que también tratan con maestría el tema de la educación; Hoy empieza todo de Bertrand Tavernier y el documental, Ser y tener dirigido por Nicolas Philibert.
De entre todas las personas/personajes de La clase, destaca, Boubakar, un joven de 16 años oriundo de Malí, que podría ver expulsada a su familia de suelo francés.
Su madre, tras la muerte de su marido, francés de origen al haber nacido en Malí antes de su independencia de Francia, carece de documentos para su estancia en el país. En su día evitó su expulsión al haber llegado al encontrarse embarazada, mientras que Boubakar adquirió su nacionalidad por nacimiento en Francia. Ahora se reabre el expediente de la situación de la madre, y, aunque el riesgo es mínimo, la posibilidad legal de expulsión existe.
Otra de las situaciones reales que se muestra es la de Agam, otro joven actor en la película, de origen congoleño, que tiene en la actualidad 17 años y que se ha salvado de su expulsión por su condición de menor de edad. Sin embargo, cuando cumpla 18, podría ser expedientado y expulsado de Francia, país donde entró clandestinamente con 11 años como inmigrante ilegal.Al parecer y según el diario Liberation, nadie en el rodaje estaba al tanto de estas situaciones, lo que vuelve a demostrar la importancia de una realidad subterránea, camuflada, la de la población “ilegal” que por ejemplo en Francia, con el paro de los “ilegales” del sector de la hostelería ha estado a punto de ocasionar un cataclismo en el negocio de la restauración, de gran importancia en el país vecino.
Todo esto, que está sucediendo en Francia en la actualidad puede ocurrir en España dentro de unos años cuando exista una ya segunda generación de inmigrantes que decidan también pelear por un sistema y en contra de un país (si la situación actual no mejora) que no atiende a sus necesidades.
En definitiva, Cantet y el resto de protagonistas, “reales” de esta película termina crudamente con el deseo de “multiculturalidad”. Al menos que sirva para poner en la calle un debate sobre la integración y el modelo de escuela europeo. Porque cuando un profesor se esfuerza en explicar, La republica de Platón y un solo alumno dice no haber aprendido nada durante el curso, es que algo falla.

BAT BURUAN TIRO EN LA CABEZA - JAIME ROSALES

Como todos nosotros el pasado 2 de diciembre del 2007, Jaime Rosales leyó la noticia de que 3 miembros de ETA se cruzaron por casualidad, en una estación de servicio francesa, con 2 guardias civiles, el encuentro acabó con el asesinato de estos últimos.
Este fortuito atentado, lleno de una crueldad y desconcierto inexplicables, provocó en el director catalán una reacción inmediata, que se tradujo apenas una semana después en un guión cinematográfico.
El 22 de septiembre de 2008 en pleno Festival de cine de San Sebastián, cuando tan solo habían pasado 10 meses del suceso, se presentó en la sección oficial, Tiro en la cabeza (Bat Buruan), tercer largometraje de Jaime Rosales. Era la película más esperada, ya no sólo por el tema que trataba, si no porque las expectativas puestas tras La soledad.
El listón estaba muy alto y Rosales no defraudó. Tiro en la cabeza es una propuesta innovadora, filmada con teleobjetivos, seguimos minuciosamente al protagonista en su monótona vida, en la oficina, con su novia, en el parque con su hermana y su sobrino.
Es un seguimiento a distancia, lo vemos pero no lo oímos, el sonido ambiente silencia los diálogos, en cierto modo es como si lo espiáramos. El planteamiento incluso se parece a un documental de naturaleza salvaje, en el que se sigue sigilosamente a un animal esperando que de un momento a otro de su zarpazo mortal. Finalmente toda esta monotonía se verá alterada con el fatal encuentro.
El papel protagonista está interpretado por Ion Arretxe, director de arte de profesión, quien consigue poner rostro creíble a un personaje tan complicado. El resto de actores tampoco son profesionales, según contó el propio Rosales, para llevar a cabo las secuencias buscaba crear un ambiente en el que los protagonistas se sintieran cómodos. Ponía la cámara a grabar, dejaba que empezara a fluir la conversación hasta que llegaba un momento en el que los actores se relajaban, olvidando incluso que se les estaba filmando, ese era el momento que al director, le interesaba reflejar. Luego hacía claqueta final. Con esta fórmula consigue que las situaciones se vuelvan cotidianas, cercanas y creíbles.
La historia tiene diferentes lecturas, a parte claro está de mostrar de una forma más o menos aproximada unos hechos reales, plantea una reflexión acerca de la necesidad de escucharse, de intentar buscar una solución al conflicto entre todos.
Que cada una de las partes ignore a la otra, sin intentar comprenderla como persona que hace algo motivada por algo, no aporta nada positivo. Como dice el propio Rosales “No se trata de echar culpas a los otros. Si se quiere derrotar al terrorismo, no llegaremos a una solución; si el terrorismo quiere vencer a la democracia, tampoco podrá.
Si todos vivimos en compartimentos estancos, nada se resolverá. Esto se soluciona escuchando". Con tiro en la cabeza, estamos ante una película arriesgada tanto argumental como formalmente. Una propuesta necesaria, que experimenta con el lenguaje cinematográfico intentando buscar nuevas formas de expresión, tan estancadas en el cine español reciente.
Hay que reconocer que, a día de hoy, si no fuera por las propuestas que nos llegan desde Cataluña, véase, Pere Portabella (Die stille vor Bach) José Luis Guerín (En la ciudad de Sylvia) Marc Recha (Dies d’agost) Isaki Lacuesta (La leyenda del tiempo) Albert Serra (El cant dels ocells) o Jaime Rosales, poco interesante nos quedaría.

RACHEL GETTING MARRIED - JONATHAN DEMME

Jonathan Demme, con su sonrisa perenne fue el presidente de la sección oficial del 56 Festival de cine de San Sebastián este año. Se le vio disfrutar de la comida y el paisaje donostiarra como al que más y afirmó tener más de una película favorita para ganar la Concha de oro que finalmente fue para la turca, Pandora’s Box en una edición donde se metió la pata, menos que otras veces.

En Zabaltegui y dentro de la sección, Perlas (la peli se había visto ya con bastante éxito en Venecia) se pasó su ultima película como director, Rachel Getting Married, primera incursión dentro del genero de ficcción después de muchos años dedicado al genero documental puro y duro con joyas como; Neil Young: Heart of Gold . Aunque también es verdad, la Rachel que nos ocupa tiene bastante de cómo, “filmar la realidad”.
Anne Hathaway, actriz y modelo publicitaria de moda, se desmarca de sus habituales papeles en comedia rosa, para dar vida a una joven oscura y deslenguada con problemas con las drogas. Kym (Anne Hathaway) es el hilo conductor de esta historia de familias, marcada por la muerte de uno de sus miembros, el hijo menor.
Después de pasar los últimos 10 años entrando y saliendo de clínicas de desintoxicación y hospitales psiquiatricos Kym regresa a la casa familiar por unos días para asistir a la boda de su hermana mayor a quien da vida una desconocida y estupenda, Rosemarie DeWitt. Todos los demonios familiares de la relación entre las hermanas, entre los padres y entre padres e hijos, nacidos a partir de una tragedia, la muerte accidental del hijo pequeño, se desatan durante los preparativos y la celebración del evento recordando en ocasiones a la película Dogma danesa; Festen (Celebración) de Thomas Vinterberg con la que comparte además algunos puntos de realización.
En la rueda de prensa, su director contó que "El filme estaba escrito, pero no planificamos ni un encuadre por anticipado". A ello se une que la música es la que crea de forma natural la acción de la película, y se resuelve sencillamente porque entre los invitados está un grupo de jazz que ensaya para la boda.
El excelente guión de la película está escrito por Jenny Lumet, hija del veterano director, Sydney Lumet que habló de esta película como metáfora de la situación actual en los EE.UU, "luchando por unirse durante la campaña electoral, al igual que la familia de la película".
El enfoque documental pues que tiene esta cinta ayuda al panorama del cine americano abriendo nuevos horizontes independientes más cercanos a Europa dentro del encorsetado sistema made in Hollywood.
Otra de las cuestiones sociales que trata con gran interés Demme es el tema racial, ya que la boda protagonista está protagonizada por una chica blanca y un hombre negro y a nivel politico se critica la guerra de Irak con la presencia de un militar como invitado a la ceremonia. Otro de los mayores atractivos de esta película es la presencia en el reparto de una recuperada Debra Winger encarnando a la madre de las dos protagonistas.
La brillante realización y montaje hacen de esta historia una de las emocionantes y vibrantes de año. Resulta difícil encontrar en la pantalla una “película realmente madura”, esta lo es.

CAMINO - JAVIER FESSER

Un numerario del Opus asistió al estreno de ”Camino” en Valladolid. El único comentario que hizo a la salida se refería a una de las secuencias en la que se ve a miembros del Opus sentarse a comer: “Un numerario nunca se sentaría a una mesa sin mantel”. ¿Hay que pensar entonces que todo lo demás es cierto? (fuente el pais.com)
Estamos ante una película curiosa. Esto ya es algo dentro de la aburrida cosecha 2008 del cine español.
El director Javier Fesser, se inspiró en la historia real de la niña Alexia González Barros, la hija menor de una familia miembro del Opus Dei muerta por cáncer en el año 1985 y que está desde entonces en proceso de canonización para contarnos otra historia, la de Camino. Una niña ya pre-adolescente de aspecto angelical que muere por una extraña y terrible enfermedad. Su sufrimiento termina siendo algo así como propaganda para el Opus Dei que ve en su martirio la publicidad necesaria para su propio lucimiento en el Vaticano.
Primera vez que el cine español se adentra en “la obra” la película ni ha gustado ni la han entendido los del Opus pero tampoco la familia de la niña que no ve o no quiere ver un reflejo de lo que verdaderamente sucedió. No conozco (ni quiero conocer) desde dentro el funcionamiento del Opus Dei pero estoy convencida de que sus criticas son por el propio miedo de verse tan bien y objetivamente reflejados.
La película de Fesser conmueve, uno se revuelve en el asiento viéndola y sufre casi hasta llegar a la desesperación y el horror ante lo que se ve en pantalla ya que resulta cruel, el sufrimiento de esa niña, Camino y el comportamiento de su propia familia. De monstruo puede tratarse al personaje de la madre (muy bien interpretado por la estupenda Carme Elías) Una fanática religiosa perfecta en sus modales pero con el fin salvaje de sacrificar a su propia hija ante un ser divino llámese Alá o Dios o Satanás. Destaca también, el papel de la hermana mayor (interpretada por Manuela Vellés, la chica de Caótica Ana) dando vida a una joven numeraria de la Obra que parece más un robot que una persona con sentimientos ante un suceso tan terrible. Me gustó y me sorprendió la protagonista, Nerea Camacho en su debut como actriz, me la creo en todo momento. Ella no sabia nada de Alexia cuando rodaron así que lo que transmite es la emoción pura y dura de su personaje sin ningún condicionante.

La cara de Nerea en el cartel de la película impresiona y aterroriza con ese eslogan que dice: “¿Quieres que rece para que tú también mueras?. Ella es uno si no el mejor descubrimiento del año y seguro que le cae algún premio, merecido. También Carme Elias en el papel de una madre que se reprime constantemente como persona ante el dolor en beneficio de un Dios que tiene equivocado.Javier Fesser estructura, Camino entre realidad y ficción.
La parte real, llega casi al documental en las durísimas secuencias en quirófano donde uno se ve obligado a apartar la vista. Esta parte nos ofrece a un Fesser muy alejado de la comedia disparatada tipo Mortadelo y Filemón.
Sin embargo si encontramos lazos de unión con su obra anterior en la parte de fantasía que tienen que ver con los sueños y pesadillas de la protagonista. Aquí cuenta con impresionante despliegue de medios (la película ha costado 5 millones de euros, convirtiéndose en una de las más caras del cine español).
Fotografía saturada, angulares y efectos especiales y de maquillaje para narrar episodios como las pesadillas que continuamente tiene Camino con el ángel de la guardia o con su propia madre. Atrevida pues e impactante aunque algunas partes del drama podrían haber sido mejor escritas y llevadas, Fesser merece mi aplauso porque al menos, su Camino no me aburrió.

EL PATIO DE MI CÁRCEL - BELÉN MACÍAS

Conocíamos a la directora, Belén Macias por haber rodado hace unos años, dos cortometrajes de éxito; El Puzzle y sobretodo Mala Espina por el que fue nominada a los Premios Goya.
Esos trabajos no estaban nada mal, por ello y porque la reputada productora de los Hermanos Almodóvar, El Deseo estaba detrás de El patio de mi cárcel entré al estreno en San Sebastián predispuesta a ver una película, una ópera prima cuanto menos interesante y bien interpretada. Pues no, nada más lejos ya que estamos ante una TV-movie protagonizada por todo un abanico de personajes arquetipos, con bastantes errores de casting y una realización sin emoción más cercana a una serie de televisión que a una película de cine.
Pero si el año pasado, su homónima, Siete mesas de billar francés triunfó - para mí sorprendentemente - entre la critica no me sorprendería nada que esta que nos ocupa, arrasara también el próximo mes de enero en los premios de la Academia.
La historia se sitúa en los años 80, en la cárcel de mujeres de Yeserias y relata las aventuras y desventuras de un grupo de teatro, el Modulo4, liderado por Mar (una recuperada Candela Peña también en cartelera con Los años desnudos) una joven funcionaria de prisiones que quiere dar una oportunidad a las presas para escapar de la rutina y sobretodo ayudarlas a recuperar el pulso de sus vidas, perdidas por las drogas, la prostitución o los maridos violentos, en fin, “todo una canto a la libertad” disfrazado de folletín de sábado por la tarde.
Mar consigue a un grupo de mujeres de lo más variopinto y es aquí donde arranca el desfile de actrices más o menos conocidas. Verónica Echegui es Isa (con un dedo desenfocado en el cartel, me ha llamado la atención¿?) una barriobajera yonqui (se le dan muy bien estos papeles a Verónica), incapaz de vivir en sociedad, fuera de las cuatro paredes de la cárcel, quizás también porque es lo único que conoce desde niña.
Dolores, una gitana rubia que ha matado a su marido, en unos años bastante lejos todavía de la ley sobre violencia de genero, está interpretada por una Ana Wagener, más sobreactuada que nunca. Violeta Pérez es una joven colombiana de lo más sufrida, la ubicua, Natalia Mateo, da vida a una lesbiana metida en líos y la veterana actriz mexicana, Patricia Reyes Spíndola salva el tipo en la piel de una narco.
A todas ellas hay que sumar también la presencia de Blanca Portillo en un papel de poco lucimiento, el de Adela, la directora de prisiones y mano derecha de Mar. Lo peor de esta historia es su cursilería, la moralina que sacude todas sus secuencias. El tono melodramático siempre a camino entre la comedia y la tragedia que estoy harta de ver en televisión y mucho más en el último cine español, me enerva.
Parece que somos incapaces de llegar a la madurez narrativa con este estilo de películas que por otro lado son tristemente defendidas por ciertos sectores de critica y publico, a mí particularmente, El patio de mi cárcel al igual que la antes mencionada, Siete mesas de billar francés o la Torre de Suso, lo único que me producen, es vergüenza ajena. El cine español necesita de raíz un cambio a nivel narrativo y formal y aunque ya existen ejemplos puntuales con autores como Jaime Rosales o Albert Serra, deben empezar a ser aceptados no solo en Festivales de cine internacional sino sobretodo por el gran público.

QUEMAR DESPUÉS DE LEER - LOS HERMANOS COEN

LA INTELIGENCIA ES RELATIVA

Los Hermanos Coen firman la película más divertida del año. Diez años después de El Gran Lebowski con la que tiene bastantes puntos en común y después de haber triunfado en la pasada edición de los Oscars con la negrisima: No es país para viejos vuelven a la carga con lo que mejor saben hacer, reír muchísimo.
Ellos reviven con un guión rocambolesco y un casting de lujo el sabor de la comedia clásica americana y homenajean a grandes maestros del genero como Billy Wilder o Preston Sturges. Es la historia loca, de Osborne Cox (John Malkovich), analista menor en la CIA, y de su esposa, la estirada, Katie (Tilda Swinton); es también, la radiografía familiar de las bambalinas del matrimonio Pfarrer, Harry (George Clooney, actor fetiche de los Coen) y Sandy (Elizabeth Marvel); es la plasmación de los anhelos de Linda Litzke (Frances McDormand), Chad Feldheimer (Brad Pitt) y Ted (Richard Jenkins) y en definitiva, es la destrucción del american way of life y del sueño americano.
El detonante de todo el desquicie resulta además un hecho absurdo, un malentendido a priori sin graves consecuencias pero que en las mentes de los Hermanisimos Coen se convierte en algo de lo más violento y catastrófico. Osborne Cox es despedido de la CIA por un recorte presupuestario y sus escarceos con la bebida también tienen algo que ver y decide, ya en el paro, ponerse a redactar sus memorias.
Pero por esas casualidades de la vida, su borrador se extravía en el gimnasio Cuerpos Duros, de Ted Treffon, donde dos empleados, Linda Litze, quien suspira por una macro operación estética, y Chad Felheimer (divertido, excesivo y maravilloso Brad Pitt, voto por el Oscar), acuerdan aprovecharse del supuesto filón vendiéndole la “información reservada” a los rusos. La parodia a las tradicionales películas de espías en luna supuesta nueva Guerra Fria, está servida.
Que grandes son los Coen, hasta sus malas películas vease, The ladykillers “tienen algo” y terminas disfrutandolas, el toque de los hermanos es grande!! Y ahora estamos además ante una de las buenas. El reparto hace que toda la trama se sostenga.
Para Malkovich, presente en la 56 edición del Festival de San Sebastián, era su primera vez con los Coen, en un personaje, pajarita incluida de lo más excentrico, lo borda así que puede que trabajen más juntos. Su final, es de traca.
Frances McDormand, con un punto menos entrañable que en Fargo y más femme fatale, demuestra que para ser una grandisima actriz no hace falta ser un bellezón.
George Clooney, aix! el es el mejor, me encanta verle, siempre. Brad Pitt, es un chico al que al principio no soportaba pero que se está creciendo y cada día es mejor actor.
Con premio o sin él, queda ya para el recuerdo, su interpretación de chico tierno y simpático. Monitor deportivo, todo músculo, poco seso, tupé y gran corazón. Sublime memo y no, no me voy a cargar como termina su personaje, fuera spoilers!.
La película entretiene que no es poco y si es verdad que el guión da muchas vueltas y no llega al culmen que fue en su momento, Lebowski.
La producción y los actores, impecables. Siempre destacable también la banda sonora a cargo del genio, Carter Burwell, otro colaborador habitual y un cartel que guarda parecido con las grandes obras de Saul Bass. De últimas, recomendadisima.

TROPIC THUNDER - BEN STILLER

Con un subtitulo español que no le hace ningún bien; “Una guerra muy perra”, se presentó en sección oficial, fuera de concurso esta superproducción dirigida e interpretada por el genial y singular cómico americano, Ben Stiller.
Es muy muy divertida así que hay que ir sin ningún tipo de prejuicio a verla. Resulta desternillante además desde los trailers del comienzo protagonizados por las tres estrellas que después veremos dentro de la película; Ben Stiller, Robert Downey Jr y Jack Black. Ellos dan vida a una estrella del cine de acción en declive, Tugg Speedman (Stiller), un actor multioscarizado con dudas acerca de su verdadera identidad, Kirk Lazarus (Downey Jr) y al rey de la comedia zafia, Jeff Portnoy (Jack Black).
Ellos son los protagonistas de una película de guerra basada en el libro de John “Four Leaf” Tayback (esplendido Nick Nolte) “Tropic Thunder”, sin embargo, el ego y la pachorra de los actores, aunado a la inexperiencia del director, el británico, Damien Cockburn (Steve Coogan), han retrasado la filmación y aumentado considerablemente el costo de la producción.
A raíz de ello, el productor le da a Cockburn un ultimátum si es que no logra terminar la película, por lo que Tayback junto con Cockburn, llevan a los actores a una situación de combate realista cercana al documental o más aún a la snuff movie en medio de la jungla, abandonados a su suerte sin saber que la locación donde se encuentran forma parte del “Triángulo Dorado”, una región de Asia donde los fabricantes de heroína trabajan con total impunidad y ellos no lo saben.
Hollywood y sus estrellas se ríen de ellos mismos. Esto ya lo habíamos visto en otras ocasiones pero nunca con tanta mala leche y en una película tan bizarra.
Tropic Thunder es un ejercicio de metacine de lo más logrado, riéndose de status de Hollywood y sus actores desde un punto de pinta de lo más ofensivo grotesco y políticamente incorrecto (las asociaciones en pro y/o defensa de todo deben estar que echan chispas).
El guión, lo firman el propio Stiller (esta es ya su cuarta película como director, también la mejor), Justin Theroux (el actor protagonista de Inland Empire) y el mismisimo, Ethan Coen.

De entre todas las stars de la película, la que más brilla es Robert Downey Jr. riéndose de si mismo con el sobreactuado Kirk Lazarus un actor actor que para meterse de lleno en la piel de su personaje, un sargento afroamericano no duda en pasar por el quirófano y pigmentarse la piel. Su mejor escena es en la que enseña a Speedman como se puede ganar un Oscar haciendo de bobo pero no tan bobo como Sean Penn en “Yo soy Sam” sino matizado al estilo de Tom Hanks en Forrest Gump.
Mención aparte merecen los secundarios, casi cameos de Mathew McConaughew como el fiel amigo y agente de Speedman y Tom Cruise, en uno, sino el mejor papel de su carrera (a la espera de Valkiria) el del productor bocazas, Les Grossman.
Flojea el gordo, Jack Black con un personaje cansino, demasiado lineal y con menor lucimiento que el resto de protagonistas, solo se salva la secuencia en la que está atado y trata de convencer al resto para que le suelten.Más cameos curiosos a cargo de Tobey Maguire, Jennifer Love Hewitt y John Voight además de homenajes a películas de culto dentro del genero del cine belico como Platoon o Apocalypse Now hacen de Tropic Thunder una de las películas más recomendables de la temporada.

CRISTOBAL COLÓN EL ENIGMA - MANOEL DE OLIVEIRA

Cristóbal Colón, el enigma, está basada en una novela del escritor portugués Manuel Luciano quien desde los años ’40 se ha empeñado en descubrir la verdadera identidad del célebre navegante.
Según la teoría de Luciano, a la que Manoel de Oliveira adscribe, Cristóbal Colón sería el hijo ilegítimo de João Gonçalves Zarco -descubridor de la isla Madeira-, y habría nacido en la pequeña ciudad portuguesa de Cuba, nombre que lo inspiraría más tarde para designar a la isla más extensa del Caribe por él descubierta. En la introducción se observa en primer plano un manuscrito del siglo XV con la firma “Colón” en lugar de “Colombo”, como prueba de su origen portugués en contradicción con la versión oficial que establece en Génova su lugar de nacimiento. A partir de la segunda secuencia, el filme está estructurado cronológicamente mediante intertítulos con referencias témporo-espaciales.
Oliveira se mete en la piel de Luciano siguiendo sus mismos pasos: La casa de Cristóbal Colón en Porto Santo, la iglesia de Cuba y el monumento dedicado al descubridor de América que se encuentra en Columbus Circle, en la esquina sudoeste del Central Park de Nueva York.
El primer rótulo nos ubica en “1946, Porto Santo” mientras que la escena siguiente transcurre en Nueva York. Al contrario, la segunda mitad del filme comienza con el rótulo “2007, Nueva York” y luego la acción continúa y finaliza en Porto Santo.
En otras palabras, la narración cumple un ciclo: comienza en Portugal, se desarrolla en las islas lusitanas del Atlántico y más allá, en Estados Unidos, para finalizar en tierra portuguesa con un tema análogo: el mar y los navegantes pioneros lusitanos entre los que Hernando de Magallanes, Vasco de Gama y Pedro Alvares Cabral son sólo algunos ejemplos ilustres. Además del océano, dos íconos se repiten a lo largo del filme como un leitmotiv. El primero y más importante es el ángel encarnado en una mujer vestida con los colores rojo y verde de la bandera portuguesa y que porta la espada de la conquista.
Este ícono viviente aparece recurrentemente observando a los personajes desde lo alto a modo de protección, para luego reaparecer en forma de escultura en mármol (“El ángel guardián de los descubridores” forma parte del Monumento a Colón esculpido por el italiano Gaetano Russo a fines del siglo XIX).
Este ángel no aparece en la novela original, “es una idea que tuve y que viene de la descripción de la iglesia de Cuba cuando buscaba lugares de rodaje, el ángel verde y rojo que desapareció”, cuenta Oliveira en una entrevista, “en el poema de Pessoa, simboliza el destino y la determinación más allá de la república, la democracia y el poder del rey João II. El ángel se convierte en guía de todo mi filme.”El poema al cual se refiere Oliveira es “Quinto Imperio” de Fernando Pessoa.
Curiosamente este texto da la clave de lectura para Cristóbal Colón, el enigma, además de haber servido de inspiración a este mismo director para el título del largometraje homónimo que realizara en el año 2004.
Este Quinto Imperio del que hablan tanto Pessoa como Oliveira es el imperio cultural que debería llegar de la mano de Portugal como heredera de los anteriores cuatro: el griego, el romano, el cristiano y el moderno -acaso con Estados Unidos como último representante-. “Portugal hecho Universo / que reúne bajo grandes cielos / el cuerpo anónimo y disperso / de Osiris, Dios./ El Portugal que se levanta / del fondo sordo del destino / y, como en Grecia, oscuro canta/ Baco divino.”Pero hay algo más, y es la mención al segundo ícono recurrente: las iglesias templarias en Portugal y en los Estados Unidos que se pueden apreciar directamente en las imágenes filmadas y a través de las fotografías que el protagonista expone a modo de comparación. No por casualidad la orden de los templarios también aparece mencionada en el poema de Pessoa: “Y otros, y otros, gente diversa / oculta en este mundo variado. / Su pecho atrae, encendida y templaria / la Cruz de Cristo”.
La orden de los templarios, perseguida y finalmente proscripta por la Inquisición en 1314, sobrevivió gracias a la acogida que obtuvo de los reyes de Portugal y de Inglaterra. En Portugal cambiaron su denominación por el de “Milicia del Cristo de Portugal” y mantuvieron como emblema la misma cruz roja que Vasco de Gama y Cristóbal Colón portaron en las velas de sus embarcaciones.
En el siglo XVIII los Caballeros del Templo resurgieron en forma de sociedades secretas con una importante influencia en los cambios políticos tanto en Europa como en los Estados Unidos. El interés de realizar este filme no se limita a establecer el origen lusitano de Cristóbal Colón, sino de proponer un retorno a los valores fundamentales del ser portugués, la búsqueda de una identidad nacional con bases en una cultura que trascienda lo local para alcanzar lo universal. El Quinto Imperio, el Imperio Cultural, aunque en una primera instancia parezca un delirio mesiánico, en lo más profundo no es sino una crítica al actual estado de cosas en el que estos valores seencuentran en vías de extinción.

Adriana Schmorak