31.1.09

DEATH PROFF - QUENTIN TARANTINO

El querido y salvaje Quentin sigue haciendo de las suyas. Death proff está repleta de sus largos e irónicos diálogos que desgranan la cultura popular. Estética setentera, bares de carretera, curvas generosas (no sólo en las escenas de carretera) y el habitual toque de mala leche, hacen que los seguidores del director permanezcan sentados en sus asientos.
Tarantino vuelve a encajar con maestría grandes momentos de serie B, en esta ocasión con homenajes a las persecuciones de coches de los 70. Todo ello gracias a un ritmo endiablado y otro soundtrack impecable.
Como con cada película está vez también nos regala unos cuantos temas antólógicos: Chick habit de April March, Down in Mexico de The Coasters o Hold Tight de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich son buena prueba de ello.
Está vez además de su habitual papelito se reserva también la dirección de fotografía.
La historia es sencilla, Stuntman Mike (Kurt Russell) es un doble retirado, convertido ahora en psicópata asesino. Ayudado por su letal coche, arrasará a cuanta chica se le ponga por delante y no son pocas (Sydney Poitier, Rose McGowan, Vanessa Ferlito, Marley Shelton, Rosario Dawson) Pero hay amigo, lo que Mike no sabe es que va a dar con la horma de su zapato.
Ahí aparece Zoe Bell, doble profesional, entre otras ha doblado a Uma Thurman en Kill Bill, y que por primera vez interpreta un papel como actriz, esta chica es un pura vitalidad, te hace disfrutar en cada segundo que pasa, posiblemente sea la persona que mejor se lo ha pasado nunca actuando en una peli y eso se nota.
Está increible atada al capo del coche, a mil por hora en plena persecución, dando botes por la carretera sin ningún complejo. Atentos al cartel de una sesión Grindhouse que atraviesan con el coche, el pase en sesión doble Scary Movie 4 y Wolf Creek.
La mala acogida que tuvo Grindhouse en la taquilla americana, ha hecho que en este lado del océano suframos las consecuencias, así la obra concebida por el tándem Tarantino - Rodríguez ha sido absurdamente mutilada por los hermanos Weinstein, privándonos de ver el experimento completo que suponía ver una auténtica sesión de Grindhouse (Sesiones dobles de cine de terror, gore, serie Z, normalmente en pésimas condiciones de proyección) formada por Plane Terror de Rodríguez, Death proff de Tarantino y 4 "falsos" trailers que se emitían entre ambas dirigidos por Eli Roth, Edward Wright, Rob Zombie y el propio Robert Rodríguez.
Todos sabemos que los Weinstein son los chicos listos de la clase y éstos ya se frotan las manos con los ingresos que va a generar la venta del DVD.

Isabel Cabo

XXY - LUCÍA PUENZO

En la edición del 2007 del Festival internacional de cine de Edinburgo hemos podido ver XXY, la ópera prima de la argentina Lucía Puenzo.

Una vez mas el miedo al rechazo provocado por lo desconocido, lo diferente, por todo lo que se sale del término mal llamado "normal", hace que una familia decida retirarse a un apartado lugar intentando evitar lo inevitable, el imparable ritmo de la naturaleza.
Todas las situaciones se suceden en una atmósfera creada por el sonido de la lluvia, el mar y en especial el viento de la costa que consiguen envolverte, aunque las escenas se produzcan en el interior de un "protector" hogar.
Tantas preocupaciones, búsquedas de soluciones, tomas de difíciles decisiones para concluir que tal vez, la entidad e identidad de una persona va más alla de esa manía por definir que somos, hombres - mujeres o sólo personas al fin y al cabo.

Lucía Puenzo, hija del mítico director argentino Luis Puenzo, debuta en la dirección de largometrajes, con esta arriesgada propuesta sobre un tema poco o nada tratado como es el hermafroditismo o intersexualidad.
Alex (Inés Efrón) es un o una adolescente de 15 años, que en pleno despertar a la vida, sufrirá una hiperbolización de las dudas identitarias y el malestar existencial-sexual propio de sus años. El reparto se completa con dos clásicos del cine argentino contemporáneo: Ricardo Darín (Nueve Reinas, el hijo de la novia) y Carolina Peleritti (El lado oscuro del corazón 2, ¿Quién dice que es fácil?)
La película que ya ganó el Gran premio de la semana de la Crítica en Cannes, ha sido galardonada con el premio a la mejor dirección novel (Skillset New Directors Award)

Isabel Cabo

TRISTRAM SHANDY, A COCK AND BULL STORY - MICHAEL WINTERBOTTON

Todos los años, Michael Winterbottom estrena película y todos los años voy a verla y casi todos me decepciona. Mr. Winterbottom me cae mal, me parece un director pretencioso y aburrido sin embargo tengo que reconocer que en esta ocasión, con la comedia, Tristram Shandy, a cock and bull story me ha conquistado porque aunque no sea tan original como él cree y tenga algún momento pesado, los personajes hablan demasiado y en ocasiones, se repiten, sí que te ríes mucho y Steve Coogan es un actor de comedia genial.
Ellos ya trabajaron juntos hace 7 años en “24hours party people” (la otra peli que me gusta de él) y desde entonces llevan trabajando en la idea de adaptar el clásico de la literatura británica; The life and opinion of Tristram Shandy escrito por un pastor protestante, Lawrence Stern en el SXVIII.
El libro sí fue pionero de una estructura narrativa y forma que se repitió después hasta la saciedad, esto es que el protagonista habla en primera persona al lector y cuenta el difícil proceso de escribir un libro.
También hay efectos visuales, como una página entera en negro o páginas en blanco que representan las partes arrancadas de la historia. Michael Winterbottom y su colaborador habitual, el guionista, Martin Hardyn no lo tuvieron nada fácil para adaptar la novela y esto se refleja en la película, optaron entonces por mezclar “la parte real de un rodaje” con la historia de época que se cuenta en el libro.
Todos los avatares y líos de un rodaje cinematográfico y lo difícil que es llegar a hacer eso, una película aparece en pantalla. En muchos momentos, se escucha la mítica música de Nino Rota para 8 y 1/2, Winterbottom tira mucho de Fellini sólo que aquí la locura no sólo es del director para sacar el proyecto adelante si no también de los 2 actores protagonistas, 2 amigos que se quieren pero que no se soportan; un protagonista: Steve Coogan y un antagonista, Rob Brydon haciendo de ellos mismos.
En el reparto, están también Gilliam Anderson (recuperada últimamente para el cine, también la hemos visto En el último Rey de Escocia) y el orondo Stephen Fry cada vez con más parecido a Sir Charles Laughton.Steve Coogan es un genio de la comedia y no parece importarle dar una visión un tanto negativa de sí mismo en esta película.
Tiene momentos delirantes de guión pero también disfrutamos con sus imitaciones y ese humor gestual que le hizo famoso en la BBC con personajes tan increíbles como el de Alan Partridge.Hace unos años, iban a hacer sólo una sitcom para la pequeña pantalla pero viendo el potencial de la historia, el productor Andrew Eaton decidió hacer mejor una película y rodarla en el mismo Yorkshire, localidad donde se desarrolla todo el libro.
Realidad y ficción se mezclan continuamente y refleja que esta gente se lo pasó genial durante el rodaje.
Otra vez, terminamos hablando de lo rara que es la distribución en España, la película se terminó hace 2 años y fue un éxito en la taquilla británica (allí ya está disponible en dvd desde hace meses) aquí participó con bastante éxito el año pasado en el festival de San Sebastián ¿por qué entonces ha tardado tanto tiempo en estrenarse?.Ir a verla, está bien os reiréis, que no es poco y aunque creas que nada de lo que has visto tiene sentido, en realidad es que se trata de una historia muy british sobre un toro y una polla.

EL LIBRE ALBEDRÍO - MATTHIAS GLASNER


"El libre albedrío" (Der freie wille), se enmarca dentro de una doctrina filosófica que habla sobre la autonomía y capacidad de autodeterminación del ser humano, es decir que nuestras decisiones dependen en última instancia de nosotros mismos.
Esta definición de enciclopedia alude al título de la película que nos ocupa y me sirve para presentar a Theo (impresionante actuación de Jürgen Volen) un joven introvertido y acomplejado que saca sus demonios interiores, agrediendo y violando mujeres.
Con una brutal violación, sólo comparable a la filmada por Gaspar Noel en "Irreversible", comienza esta película premiada en el último Festival de cine de Berlín y que se ha estrenado en España dentro de la 8º muestra de cine alemán en los cines Palafox de Madrid.
10 minutos terribles, dirigidos sin omitir detalle alguno pero sin recrearse tampoco en la parte más morbosa. Con esta secuencia lo que consigue el director, Matthias Glasner es que el espectador penetre en la mente de Theo, el protagonista, quien inmediatamente después, es detenido por la policía.
Tras una larga elipsis de más de 9 años, nos volvemos a encontrar a Theo físicamente cambiado, mucho más fuerte y sereno a punto de salir en libertad condicional por buena conducta. A partir de ese momento, Theo intentará llevar "una vida normal". Vive en un piso de protección oficial bajo la atenta mirada del asistente social y encuentra trabajo en una empresa de artes gráficas. Allí conoce a Nettie (todavía más impresionante la joven Sabine Timoteo) la retraída hija del dueño. Nettie, también intenta llevar "una vida normal" después de haber sido torturada psicológicamente por su padre durante años.
Tenemos entonces, 2 personajes perdidos, que se encuentran, se enamoran, al menos en apariencia son felices y hasta compran muebles en IKEA. Parece que la vida, les da una segunda oportunidad pero no nos olvidemos que esto lo firma un director alemán y que la forma de ser netamente germánica no deja lugar a un "happy end". La planificación de la película es impecable, la cámara sigue a unos actores en estado de gracia que hacen creíbles hasta las escenas más duras y crea ambientes claustrofóbicos para el espectador, gracias a una fotografía fría, seca, en consonancia con el tono de la historia.

No resulta fácil ponerse del lado del protagonista pero la cantidad de matices que aporta Jürgen Volen a Theo hace que a veces, sintamos cierta empatía por él. Su contribución artística a "El libre albedrío", además de protagonista, es productor y coguionista le hizo merecedor del Oso de Oro especial en la Berlinale.
Estremecedora es también la interpretación de Sabine Timoteo como Nettie. Una chica solitaria, reacia a los hombres que cree encontrar en Theo a su salvación. Ella desconoce su pasado y cuando él explota y le cuenta todo lo que ha hecho, ella reacciona todavía con más amor en lugar de desprecio. Una de las partes más estremecedoras de toda la película, es cuando Nettie va en busca de una de las mujeres, víctima de Theo.
La sigue, va a buscarla al trabajo y la mujer se enfrenta a Nettie como si a través de ella pudiera vengarse por fin del propio Theo.
"El libre albedrío" se enmarca dentro de la última corriente de éxito del cine alemán; historias muy duras, realizadas sin concesiones al sentimentalismo, violentamente explícitas y que se ocupan de diseccionar la sociedad actual.
Mikael Haneke, es el cineasta estrella a Matthias Glasner, le han comparado bastante con él por esta película. Para Haneke, el mundo es un lugar tan oscuro y peligroso como las almas de los seres humanos que lo habitan. Para Glasner también. Este tipo de cine, no ofrece respuestas no facilita interpretaciones ni confirma impresiones.
La brutalidad de estas películas está en la objetividad con la que están hechas."El libre albedrío" tiene imágenes asfixiantes pero hay que conseguir acceder a ellas sin prejuicios y después si has resistido hasta el emocionante y pesimista final, cuando salgas del cine, piensa lo que te venga en gana sobre la historia de amor, que realmente acabas de ver.

EL CAIMÁN - NANNI MORETTI

Un productor de cine quebrado profesional y sentimentalmente, Bruno Bonomo (interpretado por Silvio Orlando), no logra financiar su nueva producción de serie B "El Regreso de Cristóbal Colón". Empantanado en deudas y en un matrimonio al borde de la separación, Bruno conoce a Teresa, una joven directora que le lleva un guión novedoso.
Pronto se da cuenta de que el nuevo proyecto no es más que la biografía enmascarada del primer ministro italiano Silvio Berlusconi. Pero el temor, la desidia y la falta de compromiso le dificultan el encontrar los intérpretes para esta película y el dinero necesario para rodarla.

He aquí el argumento de "El Caimán", la última realización que el director italiano Nanni Moretti presentó en Cannes, y por la cual ganó seis premios David de Donatello. El director, guionista, productor y actor es también conocido por sus premiadas "Aprile" (1998),"La Habitación del Hijo" (2001) y "Diario Íntimo" (1994). En "El Caimán" se deslizan tres líneas argumentales, a veces en forma paralela, otras entrecruzándose y hasta confundiéndose.
La primera línea es la intimista, la que trata de las dificultades personales del productor de cine con su mujer y sus hijos, un matrimonio que no termina de reconciliarse pero tampoco logra separarse ya que, hasta el final, parece seguir existiendo una atracción que los une. Paola Bonomo (interpretada por Margherita Buy) es la mujer y la actriz protagonista de todas las producciones de Bruno, en las que interpreta siempre el mismo personaje de Aídra, algo así como "la mala" de la película.
Ella es la encargada de asesinar al protagonista en plena boda valiéndose de una bandera maoísta, y es ella la que da muerte brutalmente con utensilios de cocina al crítico gastronómico que no está para nada de acuerdo con "la comida" que se sirve en aquel restaurante.
Pero, ¿de qué restaurante estamos hablando, y de qué matrimonio a la manera maoísta?
Es aquí donde la segunda y la tercera líneas argumentales entran en juego entrelazándose con la primera. Se trata de mostrar la cocina cinematográfica hasta la casi desaparición de un claro límite entre ficción y realidad, se trata del papel de los medios -muy especialmente la televisión- en esa sociedad regida por la ideología oficial impuesta por Berlusconi quien, como bien se sabe, asoció permanentemente la política con el show business y el ejercicio del poder con el control de los medios televisivos y gráficos.

Las películas clase B de Bruno Bonomo -alter ego de Nanni Moretti - son también una denuncia política y una mirada desilusionada y sarcástica a la vez de los agonizantes ideales de izquierda en Italia. Las denuncias contra la política de Berlusconi se suceden sin dejar nada en el tintero: la corrupción, la censura, las sospechas de contactos entre el gobierno y la mafia, las cuentas bancarias no declaradas, la soberbia desmedida de un personaje que , como un Nerón moderno, se va de la escena no sin antes dejar la ciudad en llamas.
A pesar de adscribir abiertamente a los ideales de izquierda, el cineasta se interroga con humor y sin complacencia en éste y otros films como "Yo soy un autártico" (1976) o "Ecce bombo" (1978), sobre los ideales revolucionarios, los sueños y las desilusiones compartidas por los militantes de su generación.
"En los años '70 el cine político estaba muy expandido, se convirtió en un género, casi en un filón comercial", explica el director en una entrevista, y agrega: "Desde hace mucho tiempo, estas películas no se realizan más. No sé si esto se debe a una autocensura de parte de los guionistas, de los realizadores y de los productores, o del hecho de que una parte de la financiación de un filme proviene de los canales de televisión (…) Yo, en todo caso, desde mi pequeño lugar, he intentado contar a través del cine una realidad que no alcanzamos a ver, a percibir." De ese cine combativo de los `70 y `80 también hablan los personajes de "El Caimán" cuando se refieren en más de una oportunidad a "El Caso Moro", la película interpretada por Gian Maria Volonté que narra el secuestro y posterior asesinato de Aldo Moro, entonces máximo dirigente de la democracia cristiana, por parte de las Brigadas Rojas.

"El Caimán" resulta ser, pues, un constante juego barroco de imágenes y referencias internas y externas al cine. Es el filme dentro del filme, la televisión de la era Berlusconi - frívola, superficial y vaciada de contenido - enmarcada en el lenguaje cinematográfico.
Es, en definitiva, la historia de Italia de los últimos 30 años con sus cambios sociales reflejados en los nuevos modelos de pareja que van sustituyendo a los anteriores, con sus procesos políticos que parecen repetir siempre los mismos procesos de desengaño y desilusión, con su historia del cine que transita los caminos de la frivolidad más absoluta hasta las películas de "autor" con final abierto, desde las películas clase B hasta las comedias románticas taquilleras.
Todo esto está en "El Caimán" con su "pluralidad de registros y de tonos", como bien dice su director y, cabría agregar, dejando en el espectador el sabor agridulce de una comedia que al fin termina en tragedia.

ZODIAC - DAVID FINCHER

Zodiac, esta sí es una de las películas más esperadas del año. 5 años después de La habitación del pánico (que no gustó a sus fans) vuelve uno de los rey midas del cine contemporáneo, David Fincher. Personalmente me aburren sus pelis, creo que son de esas de puro entretenimiento para un sábado por la tarde y que no aguantan un segundo visionado así que iba con algún pequeño prejuicio a ver la última, sin embargo me ha sorprendido gratamente y hasta puedo afirmar que sin ser una joya del cine negro y los serial killers, me ha gustado bastante.
El guión está basado en un best seller escrito por el verdadero Robert Graysmith, en la pantalla está interpretado por Jake Gyllenhaal y basado a su vez en hechos reales que conmocionaron a los EEUU durante décadas.
Zodiac fue en San Francisco a finales de los 60 algo así como el Jack el destripador americano. Un asesino en serie que jamás fue descubierto o mejor dicho, nunca fue imputado por sus crímenes. La policía, le atribuyó 7 asesinatos, él se responsabilizó de 13 más.
El joven dibujante del San Francisco Chronicle, Robert Graysmith, descifró el criptograma de un mensaje que el propio Zodiac envió al periódico. Tras cada nuevo crimen, los inspectores, Toschi y Armstrong (Mark Ruffalo y Anthony Edwards) seguían su pista sin éxito.
También llevaba el caso por su cuenta, un periodista del Chronicle, Paul Avery (interpretado por Robert Downey Jr).
Los años pasaron y con Zodiac suelto, la policía y Avery dejaron el caso pero Graysmith se empeñó en darle caza y escribir un libro sobre él. 150 minutos es demasiado metraje para una película si no se trata de una obra maestra y Zodiac no lo es, así que uno de sus fallos es que resulta larga y pesada después de la primera hora y hasta que llegan los 25 minutos finales. Fincher demuestra que es un buen creador de espacios rodando los crímenes de Zodiac con absoluta precisión.
La puesta en escena y la dirección de fotografía a cargo de Harris Savides (trabajaron juntos en los videoclips que realizó Fincher para Madonna en los 90 y se ha encargado de la dirección de foto en los últimos trabajos de Gus Van Sant) es brillante creando las texturas propias de las décadas 60 y 70.
Los créditos del comienzo a cargo del maestro Kyle Cooper (Seven, La isla del Dr Moreau, Spiderman) con la bahía de San Francisco como protagonista son deslumbrantes.
Hay que destacar también el soundtrack que incluye temas de Isaac Hayes, Marvin Gaye, John Coltrane y Miles Davis entre otros ayudando junto a la fotografía a crear esa atmósfera de misterio tan David Fincher. Capítulo aparte merece el casting, el joven Jake Gyllenhaal está justito como el protagonista, Rober Graysmith.
No le ayuda nada el maquillaje o mejor, la falta de maquillaje y peluquería para ir aparentando el paso del tiempo, es un crío aunque en la parte final cuando más obsesionado está con descubrir la identidad de Zodiac, pasando de su mujer, trabajo, hijos, en definitiva pasando de todo, cae mejor.
Mark Ruffalo está estupendo como el orondo y atractivo inspector Toschi, me recordó a Benicio del Toro y a Robert Downey Jr que le den un Oscar, ya ! como mejor actor de reparto por hacer casi de si mismo, un politoxicómano y gracioso periodista, Paul Avery.
Entrañable recuperación la de Anthoy Edwards con terrible peluquín eso sí (el buen trabajo del departamento de maquillaje brilla por su ausencia) demostrando que es mucho más que el Dr. Green de Urgencias y en pequeños papeles, Chloë Sevigny y un sobrado Elias Koteas como el sargento Mulanax.
Algo más que criticar, algunos planos de montaje editados Made in Hollywood para entretener al personal y que no aportan nada bueno. Lo mejor en resumen es que resulta la película más personal (Fincher se crió durante esos años en San Francisco) y reflexiva de David Fincher. ¿Gustará tanta madurez a sus fans?.

BORRACHERA DE PODER - CLAUDE CHABROL

Borrachera de poder, fea traducción al castellano de una buena y entretenida película del maestro Claude Chabrol que aunque no está dentro de sus mejores trabajos, merece más la pena que la mayoría de las películas que se estrenan comercialmente.
Algo más de 1 año hemos tenido que esperar los fans del viejo zorro del cine francés para verla tras su paso en la 56Berlinale (fue raro que no tuviera pre estreno en San Sebastián como en otras ocasiones).
Isabelle Huppert demuestra una vez más que es la mejor en el papel de mujer fría todo terreno.
Ella es la protagonista, Jeanne Charmant Killman, juez de instrucción a la que le encargan desarmar un escándalo de malversación de fondos que afecta al presidente de una gran corporación.
Cual caso Malaya se tratase asistimos a los interrogatorios de acusados y a las investigaciones como si se tratase del telediario pero al mismo tiempo que ella escala peldaños saliendo hasta en la portada de Paris Match su vida privada se vuelve más frágil.
La pregunta que con su mala leche habitual formula Chabrol es, ¿si es posible que la naturaleza humana resista al vértigo del poder?.
En el reparto además de la Huppert, un recuperado Patrick Bruel y uno de los hijos del director, Thomas Chabrol en el papel de Félix, el sobrino político de Jeanne. Como mera curiosidad, en los créditos además de Thomas aparecen sus otros 2 hijos, Matthieu autor de la banda sonora y Aurore como la script y es que el cine en familia, sale mejor.

LA MALDICIÓN DE LA FLOR DORADA - ZHANG YIMOU


La maldición de la flor dorada se ha convertido en la película más taquillera en toda la historia de Asia. Su director, Zhang Yimou ha hecho su film más caro, exuberante y “literalmente brillante” arropado por las 2 mayores estrellas del cine chino su ex, la bella madurita Gong Li y super Chow Yun Fat al que encontré menos motivado y más hierático que en otros personajes.
La película es para verla y disfrutarla en el cine porque la magnitud de la puesta en escena, los vestidos y maquillajes en una pantallita de 14pulgadas deben dejarla en nada. La trama es una tontería de saga familiar que hará las delicias de las adolescentes.
Eso sí se desarrolla en el SX, en plena época feudal china lo cual le da cierto glamour. En vísperas de la celebración del Festival Chong Yang, los crisantemos o flores doradas llenan el palacio imperial. El emperador regresa inesperadamente de la guerra acompañado por su hijo mediano con el pretexto de celebrar la fiesta en familia pero dada la tensa relación que mantiene con su esposa enferma, parece que ese día va ser una farsa.
La maldición de la flor dorada parece cerrar una trilogía que empezó hace 5 años con la joya: Hero y siguió después con La casa de las dagas voladoras. Todas tienen en común el virtuosismo de la puesta en escena, las luchas coreográficas y contar con actores y actrices orientales tremendamente conocidos.
Esta última se diferencia en que la trama es más aburrida y previsible que las anteriores y a la casi tragedia griega entre maridos, amantes, mujeres, padres e hijos que nos cuenta Yimou le hace falta algo más de acción y también menos metraje.

LA MUÑECA DEL ESPACIO - DAVID MONCASI

Hay un dicho que dice algo así como “la primavera, la sangre altera”. El cambio climático nos ha pasado directamente al verano y eso se nota en el calor de las calles pero también en los estrenos cinematográficos.
El boom Oscar terminó hace semanas y Cannes llegará a partir de septiembre así que ahora nos tenemos que conformar solo con un puñado de buenos títulos en la cartelera.
-“Volar de nuevo ese es mi sueño, hay un trapecio en lo alto y el público aplaude otra vez”.
La muñeca del espacio es un largometraje documental dirigido por David Moncasi que surgió de un corto que ganó en el Festival de cine iberoamericano de Huelva hace 2 años.
El proyecto parece que gustó mucho mucho a la distribuidora independiente GOLEM porque terminará produciendo y estrenándolo próximamente en salas después de su paso por los festivales de cine documenta madrid y diba 2007.

La película surge en palabras del director de un encuentro casual entre Carmen, la maravillosa protagonista de la historia y él mismo en un bar de Sitges. Carmen le invitó a conocer su mundo y quedó tan fascinado que quiso contar su gran historia porque la vida de Carmen es como un culebrón venezolano pero llevado con bastante originalidad y sentido del humor.
Carmen Sánchez tiene 84 años, fue una genial artista de circo que recorrió el mundo subida en un trapecio hasta que un fatal accidente la dejó ciega. Vive sola en una casita de su pueblo natal, Sitges en la costa catalana donde es junto a Dalí el personaje más popular y querido de la zona y hace cosas increíbles para su edad. Pero ese asombro en el espectador es algo totalmente normal dentro del día a día de Carmen. Hace gimnasia, practica la natación, corre y baila de manera compulsiva volviendo locos al resto de los abuelitos de la peña.
Cada día, Carmen se levanta con una energía y optimismo desorbitado y le pregunta a su amiga Rosalía, si ha llegado algún circo nuevo al pueblo.
La vida de Carmen se cuenta en paralelo con la del resto de su familia, también dedicada al circo pero afincados desde hace tiempo en Francia donde explican que hay mayor tradición y respeto hacia los artistas. Los hijos y nietos de Carmen son la 4ª generación de payasos, Rudi Llata (así se llamaba el marido de Carmen)
Ellos están intentando recuperar el número que hizo famosos a sus padres; el restaurante automático. Un día Carmen decide dejar sus bailes de salón y viajar en tren a ver a su familia, allí sentirá de nuevo el vértigo del espectáculo.La gracia está en Carmen y cuando ella falta en plano la línea argumental y la emoción caen.
Demasiado correcta en su realización y montaje, le falta imaginación a la planificación, el personaje se lo merece. Sin embargo, la recomendamos, Carmen merece la pena. Seguramente, La muñeca del espacio se convierta en el docu más premiado y visto de la temporada.

JIM JARMUSCH

Gurú espiritual de nuestra revista, el cineasta 100% independiente, Jim Jarmusch estrena su última película en España, "Broken Flowers" Gran Premio del Jurado en Cannes y para la crítica lo mejor que ha hecho hasta ahora. Teniendo en cuenta que para nosotros ya tenía un puñado de obras maestras.

Jim nació en una pequeña ciudad industrial de la América profunda llamada Akron, en el estado de Ohio 1953. Su padre, era empresario en la compañía de caucho B. F. Goodrich y su madre, crítico de cine en un periódico local. Intuimos quien le pudo influir más para el futuro. Pese a que Jarmusch es junto con Woody Allen y Spike Lee el director de cine más apegado a la ciudad de Nueva York, el paisaje desolado, casi fantasmal de su tierra natal ha sido protagonista de muchas de sus películas.
A los 18 años marchó a la "gran manzana" a estudiar literatura inglesa y americana en la Universidad de Columbia donde tomó contacto con el mundillo artístico de la época.
Por entonces ya lucía su característica figura desgarbada y el pelo casi blanco con un corte alocado. Autores del periodo romántico como William Blake le han servido de inspiración para algunos de sus personajes (el protagonista de Dead- Man). Pronto se interesó más por el cine matriculándose en la prestigiosa New York University Film School donde conoció personalmente a uno de sus ídolos, el veterano cineasta Nicholas Ray quien le animó para viajar a Europa y empaparse de buen cine además de ofrecerle trabajar con él como ayudante. Como decía el filósofo Louis Aragon: "Las películas, son la única escuela de cine, recuerda esto".

EL TAMBOR DE HOJALATA - VOLKER SCHLONDORFF

En su tercer cumpleaños a OsKarcito le regalan un tambor de hojalata y a partir de ese momento, el niño no se separará nunca más de él. Ese mismo día decide tomar una importante decisión tras valorar el terrible mundo adulto que contempla a su alrededor: “dejar de crecer”. Oskar no es un niño normal, él piensa y toma decisiones desde antes de su nacimiento y será su voz en off la que nos cuente desde el vientre materno, este cuento cruel que sin duda ha servido de inspiración a otras películas como Léolo de Jean Claude-Lauzon (1992).
Resulta difícil escribir una crítica sobre una obra maestra de la que se ha dicho si no todo, casi todo desde su estreno en Cannes en 1979, año en el que se llevó la Palma de oro a la mejor película y unos meses después el Oscar.

WO IST FRED? - ANNO SAUL

Una comedia gruesa y políticamente incorrecta es lo que nos presenta el turco alemán Anno Saul en su nueva película Wo ist Fred? (¿quién es Fred?) La esencia de la historia es una de las más habituales del cine, chico hace lo que sea por conseguir a chica y en el camino para conseguirla encuentra a la que realmente es la chica de su vida.
En esta ocasión el camino se adereza con grandes dosis de gamberrismo en torno a la discriminación positiva con los discapacitados, que llevan a cabo ciertas entidades para lavar su imagen. Aquí la entidad tiene nombre y apellidos, el club de baloncesto germánico por excelencia, el Alba Berlín. No sé como se lo habrán tomado los del Alba, que pese a que en la película no aparecen nombre reales de jugadores, el equipo como tal sale muy mal parado.
Todo empieza cuando Fred (Til Schweiger) un joven capataz de obra propone matrimonio a su novia Mara (Anja Kling), y para contentarla intenta conseguir el afecto del hijo de ésta, un repelente y mimado diablillo de 8 años cuyo único objetivo es conseguir un balón firmado por su ídolo del baloncesto, el jugador del Alba Berlín, Mercurio Müller.
La tarea en principio no parece difícil, sino fuera porque según la política del equipo, esos balones están destinados a los socios del club que tienen alguna minusvalía física.
Y cómo no, al desesperado Fred no se le ocurre mejor idea que calzarse una silla de ruedas y plantarse en el estadio para conseguir el balón. A partir de aquí, a cada minuto de película se sumará un nuevo quebradero de cabeza para nuestro protagonista, que se verá envuelto en mil y una situaciones a cada cual más ridícula.
Gracias, en parte, a la “inestimable ayuda” de su amigo Álex (Jürgen Vogel) un ligón empedernido, que le empuja para que protagonice un documental sobre el Alba, que están realizando dos atractivas mujeres.
Anno Saul, un habitual del festival, hace 2 años se llevó el premio del público con Kebab connection no deja títere con cabeza. Esto es lo que realmente le da vida a la película, en la que hay que reconocer que te ríes y mucho, aunque solo sea con alguno de los cientos de chistes que se nos presentan. Esto unido a un ritmo frenético, una factura bastante buena y un par de interpretaciones decentes, hacen que la película se pase rapidito, lo cual es bueno, y que según estás saliendo de la sala ya te estés olvidando de ella, lo cual es mejor.

UNA CUESTIÓN DE PESO - MARCUS RESENMULLER

Schwere jungs (una cuestión de peso) película de inauguración del 9 Festival de cine alemán de Madrid. Alfombra roja, en los cine Palafox (los más bonitos de Madrid, con permiso del Capitol) y una sala 1 llena de alemanes deseosos por escuchar hablar su idioma en la gran pantalla.
El cine alemán ha dado en los últimos tiempos grandes alegrías y premios internacionales, lastima entonces que se eligiera el peor título posible para la noche de inauguración.
Voy a ser un poco cruel para empezar, si los españoles contamos chistes del Lepe y los americanos de texanos ¿? Lo propio de los alemanes debe ser contar chistes de Bávaros. Esto me quedó claro al terminar de ver esta película ambientada en las Olimpiadas de invierno del año 52 cuando Alemania vuelve a competir después de la II Guerra Mundial.

El director, se llama Marcus H. Rosenmúller y parece que alcanzó un notable éxito con su ópera prima: Decisiones de ultratumba, también presente en el festival. Estamos ante una comedia boba, de esas de chiste fácil, caídas de gordos valores humanos en plan, que bonita es la amistad con risotada fácil incluida, sólo apta para el público germano asistente porque lo que es a mí, me dio vergüenza ajena. La acción, basada en hechos reales arranca en 1936.
A poca distancia de, Garmisch Partenkirchen donde se celebran los Juegos Olímpicos de invierno, unos niños juegan a emular a los deportistas montando en trineo mientras van escuchando los resultados por la radio. El equipo capitaneado por el niño malo del pueblo, Dorfler derrota contundentemente al niño bueno del pueblo, Gamser y así comienza una rivalidad que les convierte en enemigos de por vida. 16 años después, Alemania vuelve a competir en unos juegos y Gamser ve la posibilidad, por fin de revancha.
La verdad, es que no merece la pena que cuente mucho más. Está claro que no nos van demasiado las carreras de trineos por estos lares, profesionalmente se llama disciplina de bobsleigh, es lo único que aprendí y que la película no tendrá ventas ni ningún éxito fuera de su país de origen. Lo mejor, fue ver una sala con aforo de al menos para 400 personas, abarrotada y disfrutar una vez más de la amabilidad y gran profesionalidad de los trabajadores del cine. Bueno, la bolsa regalo con la que nos obsequió a todos los asistentes german-film también moló.

IX FESTIVAL DE CINE ALEMÁN - NEXT GENERATION [2007]

Pues está muy bien que en el festival de cine alemán incluyan tantos cortos y salvo 2 o tres más flojos, el resto con mucho nivel.Este año tan solo vino un de los jóvenes directores a defender su trabajo, Karl Tebbe que en un más que digno castellano, aprendido durante sus días de estudiante en Cuba presentó la pieza de animación: Infinite Justice, enésima denuncia a la invasión americana en Irak con la gracia de estar protagonizada por muñecos GI-Joe.
Otro malo, sigo con ellos para quitarlos lo ante posible de encima, fue el videoclip - Apple on a tree, que cuenta la bonita historia de una manzana colgada en un árbol que quiere descubrir lo que se siente siendo humano y de la tanda de los regulares, el documental titulado; In a good position escrito y dirigido por Nancy Brandt. A través de un repetido travelling circular conocemos las videas de un vecindario a las afueras de Munich. No está del todo mal, incluso en algunos momentos nos hace reflexionar sobre el racismo y la intolerancia que por desgracia tenemos en las grandes ciudades, la mayoría solo por desconocimiento hacia la cultura del otro pero termina haciéndose bastante aburrido por su realización y montaje.

Double Room, cuenta con una factura impecable, como casi todos los de la next generation. Una comedia dramática protagonizada por 2 hombres de negocios bastante perdidos emocionalmente en un hotel de la ciudad.
Más dramática, es la historia ambientada entre Marruecos y el Sur de España sobre el complicado tema de la adopción. Una mujer alemana de clase alta viaja hasta Marruecos para literalmente, comprar una niña. Uno de los que más me gustaron y divirtieron fue el de Analog Brother, pieza de imagen animada dirigido por Falk Peplinski, un joven al que va habrá que tener en cuenta en próxima ediciones de Resfest y Art Futura.
En un mundo digital, en el que todos hablan en código binario, tres colegas se reúnen en un bar para probar las últimas novedades digitales. Pero uno de ellos tiene algo mucho mejor con lo que colocarse… ¡un vinilo!
Outsourcing, es una comedia negra negrísima en la que una familia se deshace de la figura materna porque haciendo cuentas, la mujer gasta demasiado y en la empresa familiar no se lo pueden permitir.Sprösling, es otro de los buenos. Un trabajo de animación realizado por Anne Breymann con claras influencias de la Semilla del Diablo pero en versión algo así como biogenética naif. Un corto no apto para futuras mamás.
Video3000, cuenta la historia del viejo Rolf, que está contentísimo después de comprar su nuevo Video3000 pero al instalarlo se da cuenta que el mando a distancia no funciona del todo correctamente y el último de la tanda de animación: Whitt, que combina vistas redundantes de las casas de una ciudad, cualquier ciudad mediante un barrido, ¡son todas iguales!.
Truck stop grill es más un gag de humor que un cortometraje pero la idea funciona. Con un tono muy comic, el director, Daniel Seidenerd nos presenta a Axel un orondo señor que sueña con ser el “rey de las salchichas”, una aspiración super-alemana ¿no?
Dejo para el final, los 2 mejores de la cosecha de este año; Wunderlich Privat y sobretodo L.H.O. El primero, una comedia dramática con tintes negros protagonizada por el Sr. Wunderlich un hombre que tiene una pasión secreta, vestirse de mujer. La película tiene una fotografía con predominantes rojas preciosas y el último, el mejor del pase; L.H.O. de hecho es uno de los mejores cortos que he visto nunca (y me ha tocado ver unos cuantos por trabajo ; ) este corto, divertidísimo y espídico seguro que va a ganar muchos premios importantes. La historia transcurre en Texas en 1963 y hasta aquí puedo leer.
Más cortometrajes alemanes, el año que viene.

4 MINUTOS - VON CHRIS KRAUS

Con más de 15 premios en festivales de cine internacionales y ganadora del premio del cine alemán de oro al mejor film del año (algo así como los Goya, pero en Alemania) Vier minuten (4 Minutos) de Von Chris Kraus, se perfilaba como la película estrella del IX Festival de cine alemán de Madrid. La vi en una sala 1 de los cines Palafox repleta de gente, casi todos eso sí acreditados, invitados por la embajada o trabajadores del Instituto Goethe, público digamos “de verdad” había poco pero esa ha sido la tónica una vez más de este festival que aunque resulta interesante no parece llamar demasiado la atención de los cinéfilos madrileños.

Ambientado en una cárcel, 4 minutos cuenta la historia de 2 mujeres de generaciones completamente distintas pero que sufren por errores cometidos en el pasado.
Frau Krüger, es la ya anciana profesora de música de la cárcel y Jenny una joven presa que cuenta con un inusual e increíble talento para tocar el piano.
El director, Chris Kraus, estuvo durante 8 años preparando la película a partir de la premisa: ¿qué pasa si alguien tiene talento pero carece de motivación? y no al revés como sería lo habitual. La profesora, amargada y resabiada por un hecho inconfesable que protagonizó a finales de la II Guerra Mundial vive cada día como una condena auto impuesta desde entonces.
La joven veinte añera, es Jenny acusada de homicidio y que ha hecho de la violencia su único escudo frente a una sociedad que desprecia y con la que se enfrenta continuamente a causa de un grave conflicto familiar. Pero Jenny, tiene talento, de hecho es un genio musical y la Krüger intentará redimirla y con ello también a sí misma.
Las dos mujeres tienen la oportunidad de recuperar su autoestima y humanidad pero sus caracteres chocan continuamente y ganar el concurso de música que ambas se han planteado, no será nada fácil.

Lo mejor de esta historia es la fotografía casi expresionista de Judith Kaufmann y sobre todo el duelo interpretativo que se marcan las actrices; de un lado la veteranísima, Monica Bleibtreu y de otra, Hannah Herzprung (a la que también se le ha visto en, Así es la vida) ellas aguantan la película y es por ellas que no me quedé dormida o presté realmente algo de atención y es que todo lo demás resulta más que flojo.
El guión parece salido de la factoría Disney, me he dado cuenta que cuando los alemanes se ponen “en plan merengue” son peores todavía que Steven Spielberg. La película tiene una estructura a base de flashback que nos remontan a la Alemania nazi (que pesados los alemanes con este tema) y que resultan más que cutres.
El guión es super cursi y la realización normalita, estilo telefilm de sobremesa. ¿Por qué entonces tantos premios?. Por que a la gente le gusta emocionarse por cualquier cosa y si al final de se puede echar uno, una lagrimita a gusto pues ala, ¡toma premio! A mí no me gustó, insisto en que las actrices están estupendas pero una buena película debe valorarse por algo más que dos buenas interpretaciones.
Al final de la proyección, pensamos ya en el remake americano: 4 minutes con Judi Dench y Lindsay Lohan de protagonistas.

MUESTRA ITINERANTE DE CINE PLAYTIME [2007]

Este 2007 es el año playtime; distintos programas cada mes, forman esta muestra itinerante que nace con la idea de que “toda pieza que merezca ser vista encuentre su espacio”.
El programa01 se pudo ver durante el pasado mes de febrero en Madrid. Los espacios elegidos para estas primeras sesiones playtime son, la sala tesauro en lavapiés y el Ojo atómico en la prospe.
Una historia de ambigüedad sexual, escrita, dirigida, montada e interpretada por el prolífico Pedro Jaén: X-Y. ¡¡Tú la llevas!!, una pieza corta de animación entrañable salida de una de las últimas promociones en 3D de la ECAM. Enigma: Cantabria profunda, de Álvaro Oliva, falso documental ambientado en las montañas del norte de España que juega con la posibilidad de existencia de tribus indígenas en esa zona.
Fast nation, es un cortometraje rodado en Nueva York y en 35mm que cuenta la necesidad imperiosa que todo ser humano tiene de entenderse y poder encontrarse consigo mismo. Su directora, Mar Bastidas. Cierra el programa01, una animación bizarra titulada R.O.S.A de Vicente Molina Pardo, habitual en los concursos de Notodofilm, divertidísima aunque no recomendada para todos los gustos.

El programa02 de marzo, puedo describirlo como más heterodoxo dando también cabida a la videocreación con piezas como El hospitalito de Elena García Oliveros una de las performers más conocidas de la escena nacional y la original y genial Video is my hot hot sex, de Enrique Piñuel, dura crítica al Canon, la gestión de derechos y la broma que supone el copyright (está claro que a la SGAE no le va a hacer gracia, a mí sí) La música que acompaña el montaje es de las cariocas cansei de ser sexy o abreviado CSS uno de los mejores grupos de rock electrónico de la actualidad.
Completaron el programa02, Portrait un cortometraje de corte experimental realizado en 16mm y en Nueva York por José Carrasco, Guimel, un documental que recorre Marruecos al ritmo de sus músicas y Pompas de jabón de la joven Esther García.
Pero, ¡ay! lo que más me gusta de estas sesiones, son las caretas, cabeceras y ráfagas entre obra y obra realizadas por los playtime y que presentan visualmente y por sí solas cada corto.
En el programa01, Juan Martín aka the playtimeman juega en un parque infantil en una serie de piezas que homenajean el clásico de de Jacques Tatti y en el programa02, el hombre de la cámara super8 va dando paso a cada uno de los trabajos y al final, cierra una ráfaga que cuenta en 30 segundos lo que hace un auténtico producer.

El 22 de Marzo, el club Transmissión en la C/ Valverde, 10 celebró su primer añito de vida y allí también estaba playtime. Durante la pinchada de uno de los residentes Dj Bong el público disfrutó con un audiovisual realizado por Enrique Piñuel de playtime que nada tiene que ver con los videos que normalmente suelen poner en este tipo de eventos.

Las sesiones Playtime son de entrada muy libre y gratuita siempre. Mantendremos informados de las siguientes la agenda. Permanezcan atentos porque cada mes, playtime audiovisuales promete programas diferentes y no sólo en Madrid. En Mayo, playtime irá a Barcelona y en breve bilbainos, coruñeses y salmantinos también podrán disfrutarlas.¡Larga vida a playtime! una propuesta de cine totalmente independiente.

SHORTBUS - JOHN CAMERON MITCHELL

Me gusta esta ciudad porque tiene 2 X en su nombre refiriéndose a Xixón, claro. En un divertido castellano que al parecer aprendió siendo teenager por las playas levantinas, Raphael Barker, Rob, en la película presentó en el Teatro Jovellanos el estreno de “Shortbus”.
Una película maravillosa que se ha convertido para mí en la revelación de la temporada. John Cameron Mitchell, el director de “Hedwig and the angry inch” musical de culto que pasó casi de puntillas por la cartelera española hace unos años vuelve a demostrar, talento y actitud en una historia de vidas cruzadas que tiene al Nueva York post 11S como principal protagonista.
El título, “Shortbus” es el local donde se encuentran todos los personajes de esta historia y alude al conocido transporte escolar americano.
Los ejem “alumnos normales” usan el schoolbus amarillo y de tamaño normal sin embargo el shortbus sigue siempre al primero y está reservado a disminuidos psíquicos, niños problemáticos y superdotados, los que no encajan o necesitan de una atención especial.

Los protagonistas de esta historia tampoco encajan en la sociedad puritana que convirtió a Nueva York en una ciudad aburrida y con miedo después de los atentados del fatídico 11S. Para divertirse, para hablar de política, para comer, para ver películas en 16mm pero sobretodo para follar, se encuentran en el “Shortbus”. De un tiempo a esta parte se han hecho populares, pisos underground que semanalmente organizan “salones” regentados por una madame, la señora de la casa, aquí interpretada por Justin Bond una de las caras más populares de la noche neoyorkina, su show “Herb& Kiki” llenó el Carnegie Hall y la ópera de Sydney.

Lo otros que pululan por allí cada noche son Sofía, una sexóloga que nunca ha tenido un orgasmo con su marido, Rob. James y Jaime una pareja homosexual casi perfecta que acude a la consulta de Sofía porque quieren incluir a “un tercero” en su relación sexual.
Ceth, guapísimo, es modelo y el futuro tercer vértice de la pareja. Sólo por verle posando como un topmodel en el salón de la casa de los 2 James merece la pena verla y Severin, sobrenombre Buñueliano de una dominadora profesional que se hace amiga de Sofía y le ofrece ayuda.
Ninguno de los actores que aparecen en la película son conocidos, la verdad es que si lees la ficha técnica, se dedican a cantar, escribir, hacer teatro etc pero ninguno trabajaba como actor profesional hasta que llegaron al casting de Cameron Mitchell que debió juntar a los más freaks de Manhattan.
Los actores participaron activamente en el desarrollo de la historia e hicieron suyos los diálogos escritos durante largas sesiones de improvisación a la manera de Cassavetes, referencia de cabecera para el director. Consiguen espontaneidad y una frescura difíciles de encontrar en las estrellas de Hollywood. Otras influencias de “Shortbus” hay que buscarlas en Woody Allen, Fellini, Jean Genet pero sobretodo en Pedro Almodóvar. A mí me recordó mucho a esos cortos y primeras comedias locas que rodó Pedro en los años de la movida, no sé si él ha visto la película pero cuando lo haga seguro que le encanta.
Después de la proyección en el Festival de cine de Cannes, la crítica sorprendida dijo que “Shortbus” era una bofetada a la administración yanqui y alabaron sus numerosas secuencias de sexo explícito, real y abundante.
En una ocasión, uno de los personajes de la cinta dice: “si no puedes hacer elecciones al menos haz erecciones”, buena filosofía. Durante la proyección en el Jovellanos se podía sentir la entrega total del público aplaudiendo, riendo y pasándoselo pipa con lo que veíamos en pantalla pero también con lo que oíamos porque la banda sonora está compuesta por uno de los mejores grupos de la actualidad, yo la tengo, las canciones son del barbudo folck que actúa realmente cada noche en el “Shortbus” y en el soundtrack hay temas de grupos tan conocidos como animal collective.
La película la distribuirá próximamente en España Golem así que no podéis perdérosla ah y por si alguno tiene dudas, no se trata de una peli pornográfica.

LUCES AL ATARDECER - AKI KAURISMÄKI

Maravillada a la salida del cine como siempre que veo una película del finlandés, Aki Kaurismäki, uno de los contadores de historias más fascinantes de los últimos años. Luces al atardecer, cierra una trilogía acerca de la figura del perdedor que empezó en los años 90 con Nubes pasajeras (1996), siguió con esa joya titulada, Un hombre sin pasado (2002) y termina ahora con esta disección sobre la soledad, Laitakaupungin valot (Luces al atardecer, 2006).
A Finlandia, nunca le ha ido tan bien. Kaurismäki no solo retrata personajes sino también a la ciudad de Helsinki. De un lados luces de la capital de postal y de otro, el barrio obrero de Ruolohatti donde vive el protagonista, Koistinen (el actor Jane Hytiäinen que ya salía en la anterior película de Kaurismäki y en el corto; Dogs have no hell) trabaja como vigilante nocturno en un centro comercial.
Koistinen vive en contacto directo con el éxito, protege grandes fortunas pero es un hombre sólo, la soledad y la falta de amor le persiguen. Esta situación, hace que unos mafiosos encabezados por una mujer fatal de las de antes, se aprovechen de él.

80 minutos de duración y es que como dice el refrán, lo bueno si breve, dos veces bueno. De esta manera el espectador se mete de lleno desde el primer minuto y empatiza mejor con el protagonista. También sufre más con toda su desventura. Hasta el último plano, Koistinen es un ser desgraciado pero como también ocurre en todos los cuentos y este lo es, en los últimos momentos, aquí realmente en el plano final queda un rayito de esperanza, será esa la única vez en el que nuestro protagonista, no está completamente solo. Como un Charlot del SXXI, Koistinen busca una pequeña rendija por la que apartarse de este mundo pero la gente, se encarga de aplastar sus modestas esperanzas una tras otra y Koistinen no puede avanzar al ritmo de las luces de Helsinki.

Esta película es una fábula sobre un mundo lleno de sombras para un hombre, leal empeñado en defender unos valores, pasados de moda en la sociedad actual. Koistinen es la víctima perfecta para los mafiosos que lo cogen como cabeza de turco, “un hombre fiel como un perro, un idiota” dicen de él. La sociedad no puede llegar a entenderle y menos aún llegar a preocuparse. El personaje femenino, es según palabras del propio director, la mujer más fría y calculadora de la historia del cine desde “Eva al desnudo”.
La rubia que va a llevar por el camino de la amargura al vigilante nocturno es la actriz Maria Järvenhelmi.Lo mejor de la película es que se trata de auténtico cine de autor, esto significa que no existe una sóla imagen que hubiera podido ser filmada por otro director ni una sola frase escrita tampoco por otro. La belleza de todos los planos, la composición de cada encuadre, la cuidada dirección de fotografía, todo es marca de la casa.
También la brevedad de los diálogos y la aparente parquedad de los personajes. No es el cine de Aki un cine de muchas palabras sí de sentimientos y emociones transmitidas a través de los rostros de sus actores, siempre mágicos. Aquí para los más fans hay un cameo de la inolvidable, chica de la fábrica de cerillas, la actriz, Kati Outinen.
El poder reside en las imágenes y en la banda sonora, importantísima, también. La película abre y cierra con dos tangos clásicos de Carlos Gardel.
Alguno se preguntarán que pintan, Volver y El día que me quieras en una película finlandesa, pues mucho. Si no en todas sí en casi todas sus película aparece una actuación en directo, aquí el grupo de rock duro, Melrose sale en una de las secuencias pero lo mejor es la composición original del cuarteto-ensemble finlandés, Olavi Virta con los que había trabajado anteriormente.
Si cómo he comentado la película trata en todo momento la soledad, lo más bonito y porqué no esperanzador sin caer jamás en la cursilería está en los últimos fotogramas cuando junto al protagonista, el espectador entiende como decía el maestro Nicholas Ray que dos, es la unidad más pequeña, quizás también, la única.

INDIGÈNES - RACHID BOUCHAREB

Desde hace unos días conocemos la candidatura de Indigènes, en la categoría de mejor película en habla no inglesa. La historia de los 130000 nativos de las colonias francesas que se unieron al general De Gaulle para expulsar a los nazis del territorio que consideraban “su patria” emocionó al público y al jurado del festival de Cannes, donde fue premiada y si nuestro querido “gordo del Toro” no lo impide seguramente el Oscar se vaya este año a Argelia.
Estamos ante una de las mejores películas de cine bélico de la historia del cine (a falta de ver la última de Clint Eastwood) y lo mejor es que no tiene nada de patriotera o cursi dejando de lado el mensaje panfletario de otras historias parecidas, como Salvar al Soldado Ryan (Steven Spielberg, 1998)Los 130000 nativos, se ven reflejados en los 4 soldados protagonistas, Abdelkader, Said, Messaoud y Yaseir. Unos héroes olvidados le han servido al director magrebí Rachid Bouchareb (del que ya conocíamos, Little Senegal) para hacer algo más que una película sobre la II Guerra Mundial.
Indigènes, nos habla de racismo y de una falta de libertades para los extranjeros que viven en las grandes ciudades europeas como París o Madrid que desgraciadamente dura hasta nuestros días.

Indigénes, terrible el título inglés que se va a mantener en su traducción al castellano, algo así como, días de gloria, no entiendo nada, se centra en ese grupo de hombres, casi todos analfabetos que lo dieron todo por Francia, incluso más que los propios franceses que terminaron llevándose el mérito de la victoria en Alsacia, llegando en el último momento.
Bouchareb, denuncia algo más que la falta de memoria histórica. Denuncia que en el país de la “libertad, la igualdad y la fraternidad” se tratara a los soldados magrebíes como ciudadanos de segunda y que a día de hoy sus familias siguen sin haber cobrado las pensiones íntegramente.Técnicamente la película es perfecta, las secuencias de combate están rodadas con un realismo brutal destacando los planos de batalla más generales en los que explosiones y disparos se hacen dueños de la pantalla.Impresionante el reparto, premiado al completo en Cannes con los actores, Jamel Debbouze (el inolvidable tendero que aspiraba a ser pintor en Amelie), Samy Naceri, Roschdy Zem, Sami Bouajila y Bernard Blancan.

La historia tiene el punto de vista de estos 4 hombres. Said, es el más joven. Un chico que decide abandonar su casa e ir a la guerra porque allí no le queda más que miseria.
Yaseir, se alista con su hermano pequeño Larbi. El motivo para ellos es conseguir el suficiente dinero para que Larbi pueda casarse. Los momentos robados, de cariño que protagonizan los 2 hermanos son de lo mejor de la película.Abdelkader, es distinto, es más fuerte y sus motivos son otros. Él es uno de los pocos argelinos que acuden voluntariamente.
Sabe leer y escribir y daría su vida por Francia. Si embargo a medida que avanza la guerra se dará cuenta que más que por Francia debe luchar por conseguir los derechos para su propio pueblo. Messaoud, conocerá a una mujer francesa de la cual se enamora a su llegada a Marsella y destaca fuera del grupo de soldados, el sargento Martínez que terminará teniendo una relación especial con Said.Película tremenda, que ayuda al espectador más receptivo a comprender ciertas actitudes del pueblo árabe hoy en día y sólo por el reparto, merece la pena verla.

OLD JOY - KELLY REICHARDT

76 minutos resultan más que suficientes para disfrutar de esta pequeña joya del cine americano que va mucho más allá de “indismos” made in Sundance. La directora, Kelly Reichardt, 12 años después de realizar su ópera prima, River of grass, nos cuenta una historia intimista acerca de lo que supone la verdadera amistad. Old joy es una de esas películas que si no fuera por festivales como Gijón nunca llegarían a nuestras pantallas porque está lejos de Hollywood pero también de las películas independientes, estilo Steven Soderbergh, Aronofosky o Kevin Smith. Cuando una historia es sencilla, naturalista, sensible e increíblemente reflexiva, al público le da por no ir a verla, mal por ellos.
El guión, sitúa la acción en las montañas del norte de California, cuna en los años 60 del movimiento hippie. Fue en esa época más o menos cuando debieron nacer nuestros 2 protagonistas; Mark (Daniel London) y Kurt (Will Oldham, el cantante de uno de mis grupos preferidos, Bonnie Prince Billy). Ellos son amigos desde la infancia, pero no están pasando por su mejor momento. Mark tiene empleo fijo, una mujer embarazada y los domingos se dedica a hacer voluntariado para la comunidad. Kurt va siempre desaliñado, fuma porros, va a clases de física cuántica, habla de “la filosofía de la vida” y se siente fuera de lugar. El fin de semana que pasan juntos casi perdidos en el bosque les sirve para afrontar el punto en el que se encuentran, como personas adultas y también como amigos. En ese viaje, la única compañía, es la perra de Mark y la sintonía de Radio air América, bastión anti republicano en las ondas californianas.
El tema, hombre y naturaleza lo hemos tenido muy presente en los últimos meses con dos películas fantásticas que como esta hablan de sentimientos y de naturaleza; Brokeback Mountain y la catalana, Ficción de Cesc Gay.
En Old Joy hay momentos de ambigüedad sexual como en el arranque de la escarizada Brokeback pero eso no es lo más importante de la historia así que termina teniendo más puntos en común con Ficción donde se relata una hermosa historia de amistad entre dos hombres y ese difícil paso que supone pasar realmente a la edad adulta.
Y como Old joy, Ficción es una pequeña obra maestra que tampoco ha visto casi nadie.

Mark y Kurt, necesitan un fin de semana juntos, como cuando salían de acampada con la pandilla. Salir de la gran ciudad, aunque como irónicamente dice Kurt la ciudad, con árboles se parece al campo y el campo lleno de basura, cada vez más a la ciudad. Lo importante de este viaje, en realidad no es el hecho de salir fuera sino el viaje interior que tiene cada uno de los personajes y es que aunque los diálogos son espléndidos, lo más bonito de esta película, son los silencios.La música, es original de otro grupo de cabecera para extraños en el paraíso, Yo la tengo presentes también en el soundtrack de Shortbus.
Qué difícil pero que bonito cuando puedes recomendar una película como Old joy, sencilla, poco pretenciosa y a la vez, eso que tan difícil es de encontrar en el cine actual, profundamente madura.

SLUMMING - MICHAEL GLAWOGGER

Todos, alguna vez hemos practicado el “slumming”. En ocasiones, cuando voy sola en el metro no puedo dejar de mirar a alguien, normalmente siento debilidad por las señoras de mediana edad. No se bien porqué pero me llaman la atención y entonces empiezo a divagar sobre sus vidas; ¿hacia donde van?, ¿quién les espera en casa?, ¿tendrá trabajo, hijos?, ¿qué llevará en la bolsa?, por qué me da la impresión de que esta mujer, esta mañana, ha llorado Sebastian, el protagonista de esta historia, también practica este curioso deporte pero eso sí con bastante más cinismo y mala leche.
Guapo, rico y manipulador. Así es Sebastian, un joven al que no le falta de nada y le sobran el tiempo y el aburrimiento. Para pasarlo nada mejor que gastar bromas con su colega Alex. Sus victimas, suelen habitar los bajos fondos de Viena, prostitutas, sin techo etc pero también pueden llegar a pertenecer a “las clases normales”. Pia, es una maestra de primaria a la que Sebastian engaña por internet con embacaudores mensajes cargados de falso romanticismo. A mí esto me recordó a la obra maestra de Bardem, Calle Mayor, ¿la habrá visto, el director o ¿será solo casualidad?. Cuando al fin se conocen personalmente, Sebastian no tiene tan claro que la gracia sea tan graciosa porque ella le gusta pero aunque Pia no quiere que continúe con sus juegos aún le queda una última hazaña; recoger a un vagabundo inconsciente y borracho, cruzar la frontera en coche con él hasta dejarlo en una estación de la República Checa en ½ de la nieve, desorientado y sin documentos, ala.

Cuatro personajes muy diferentes entre sí sirven de metáfora sobre la indefensión de determinados sectores de la sociedad actual.Los protagonistas, son por un lado dos estúpidos treinteañeros agotando sus últimos cartuchos de juventud, una profesora solitaria y un vagabundo medio poetaque a diferencia de lo que pueda parecer cuando empieza la película, tampoco termina de caer bien al espectador.
El director, es Michael Glawogger un reconocido documentalista que con su anterior largometraje, “Workingman´s death” fue premiado en la 53 edición de Gijón.Me encantó el final de “Slumming” nada de maniqueísmos, sentimentalismos ni romanticismos baratos.
El colega Sebastian, viaja en plan mochilero al Sudeste Asiático y allí sin contemplaciones y perdido en algún rincón de Tailandia pasa de ser el poderoso a convertirse en víctima.
El cine austriaco está de moda. Al maestro Michael Haneke, Slumming tiene bastante de “Funny Games”, se le suman Ulrich Seidl y ahora Glagwogger que con esta película vuelve a demostrar que los austríacos están completamente locos.

VICTOR KOSSAKOVSKY

Victor Kossakovsky es uno de esos genios incomprendidos que muy de tarde en tarde aparecen dentro de la programación de un festival como Gijón pero que por desgracia no llega a estrenar en las salas de cine comercial.
Yo supe de él gracias a una amiga fanática absoluta del género documental que encontró en el ruso Kossakovsky a un autor con afán de contar y reflexionar sobre “la realidad”, de otra manera.
Syvato incluida dentro de la sección Llendes (44 Festival de cine de Gijón) pudo verse en el Instituto Jovellanos. Pese a las deficiencias técnicas de la sala, el buen sonido brillaba por su ausencia disfrutamos de una pequeña joya de tan sólo 33 minutos. Victor, coloca la cámara en el salón de su casa y nos hace partícipes de un momento fantástico.

INLAND EMPIRE - DAVID LYNCH

¿De qué va Inland empire? preguntaba parte “de la crítica especializada” después de su pase oficial el 15 de febrero en los Princesa.
A tal insistente pregunta yo les contesto, haber ¿de qué quereis que vaya? o mejor dicho, disfrutarla, no lo penseis demasiado y dejar a un lado las preguntas aburridas. Pero por Dios si algunos hasta volvian a lo de, pero entonces, ¿quien mató a Laura Palmer?.
A mí, David Lynch me ha vuelto a dejar con la boca abierta y aunque Blue Velvet sigue siendo mi preferida esta, le sigue ya muy de cerca.
En Inland Empire, radicaliza hasta el extremo el tema iniciado en Mullholand Drive sobre el mundo de Hollywood y el complejo trabajo de los actores/actrices. Pero de nuevo vuelve la dichosa pregunta a la cabeza del crítico o espectador aburrido, ¿de qué trata Inland Empire?.
En palabras del propio Lynch: “about a woman in trouble, and it's a mystery, and that's all I want to say about it.” (sobre una mujer en problemas y un misterio y es todo lo que quiero decir al respecto...). Esa mujer es Laura Dern, co-productora también de la película, perfecta en su doble papel de Nikki Grace/ Susan. ¿Porqué esta chica no trabajará más?. Realidad y ficción no se confunden continuamente sino que el espectador desde el primer plano lo que ve es cine dentro del cine, dentro del cine o sea CINE, puro universo Lynch.3 horas (con parón para cambio de rollo incluido) y no le sobra ni un segundo a esta historia.

Durante 2 años y medio Lynch rodó como pudo con ayuda de una entregada Laura Dern, minicámaras digitales y la producción de la compañía francesa, Studio Canal que le apoyó desde el principio aunque tampoco entendieran nada de lo que estaba grabando, porqué, ¿de qué va Inland Empire?.
David pese al éxito de su anterior filme y de ser un director reconocido internacionalmente, no lo tiene nada fácil a la hora de conseguir dinero para sus películas y se convierte aquí en un Orson Welles del SXXI, escribiendo, dirigiendo, montando, componiendo, llevando la cámara en fin que hace de todo menos actuar aunque cantar sí que canta en el soundtrack.
Existen guiones que siguen la estructura de un puzzle, uno va encajando las piezas poco a poco y al final todo concuerda y “tiene sentido” y entonces uno sale muy feliz del cine, diciendo: ¡ah que listo soy, lo entendí todo!. Esto pasa por ejemplo con las historias que escriben Guillermo Arriaga o Charlie Kaufman.
Con Inland Empire, no pasa. Lo que ha escrito Lynch no es un puzzle con final feliz, aquí no hay piezas que encajan sino agujeros negros teletransportables a una dimensión onírica y surreal.

Inland Empire, es un enclave de Los Angeles como lo era también Mullholand Drive y en la recurrente ciudad de las estrellas hay actrices como Nikki Grace capaz de poner cara de Mona Lisa tomando un té pero también de gritar desencajada como en el famoso cuadro de Munch.
El salón de una mansión, un mono mascota, polacos que hablan polaco, destornilladores, coristas, un asistente de dirección sin dinero con la cara del genial Harry Dean Stanton, platós fantasmas, llamadas de teléfonos, angulares imposibles, una vieja sala de cine, una recuperada Julia Ormond, el Jeremy Irons más divertido de los últimos tiempos, un galán con la cara de Justin Theroux, música atronadora, facturas sin pagar, una vecina con cara de loca, una sitcom protagonizada por la familia conejo, sangre y alguien hoy, va a morir.
Si lo lees del tirón, te quedas sin respiración imagínatelo ahora en pantalla, demasiado.
Está claro que Inland Empire no es una película fácil de digerir ni que tampoco es apta para todos los públicos pero sí te gusta el cine experimental y te consideras fan de David Lynch entonces sí tienes que verla. Yo te aconsejo, que te dejes llevar.
El estreno comercial tras su paso por los festivales de Venecia, Sitges y Nueva York y después de algún que otro sobresalto con las distribuidoras por su larga duración, sería un crimen cortarla, será finalmente en a cargo de vértigo films a partir del 23 de febrero.
Yo ya no puedo contarte más es inútil, sobran las palabras con una obra de tal dimensión, lo mejor es que vayas corriendo a verla, posiblemente lo hagas hasta un par de veces.

Nota: para los más avispados; atención a los cameos de Laura Elena Harring, Naomi Watts, Nastassja Kinski y David Lynch como el ojo que todo lo ve .

II FESTIVAL TOMA ÚNICA [2006]

2ª edición del festival Toma única en la Casa Encendida de Madrid. 2 días (2 y 3 de Diciembre) más de 30 películas cortas en estreno absoluto con muy buen rollo tanto por parte de los participantes como de la organización y sobretodo el público que nos lo pasamos pipa durante las proyecciones.
Rollos de película de 3 minutos, no hay montaje, los directores ruedan cada plano una sola vez, la asociación: toma única se encarga de revelarlos y el resultado lo vemos todos con sonorización en directo. Así cada toma es única y cada cortometraje, irrepetible. La primera edición se celebró con mucho éxito el año pasado en la sala, el ojo atómico.
La asistencia fue tal que este año han buscado un espacio más grande y más céntrico para organizarlo y el año que viene será todavía mayor porque al menos 100 personas se quedaron fuera haciendo cola sin poder entrar al auditorio.
Una película montada en cámara, es una película que se va montando mientras se rueda como su propio nombre indica o sea que el director lo tiene que tener muy claro antes de tirar el plano porque no puede volver a repetir.
La gente de "Toma Única" con Miguel Aparicio a la cabeza se encarga de llevarlo al laboratorio a revelar y lo más importante, de servir como plataforma "casi única" para que estas películas se vean.La propuesta nació en Francia con el Festival Tourne Monte de Estrasburgo.

La clausura de Toma única este año fue con una muestra de los mejores trabajos presentados allí.Los premios, los otorga el público asistente y se dividen en, mejor cortometraje (imagen) y mejor cortometraje (sonido) pudiendo ser estos distintos. No hay dinero, es un festival pequeño de momento, pero si regalos estupendos como película virgen, la sonorización de los trabajos en laboratorio y el premio gordo, una cámara en Super8 a estrenar.
Casi todo positivo en este certamen, sólo criticar que la sesión del domingo día 3 empezó con más de ½ de retraso y lo peor, el que dos directores, me consta presentes en la sala, no dieran la cara saliendo a hurtadillas por la puerta de atrás cuando al empezar a pasarse su película sólo apareció el negro. Menos mal que con mucho humor, esos 3 minutos fueron salvados con sombras chinescas, vítores y aplausos de los asistentes. Pudo haber sido un fallo de laboratorio o lo más seguro un error a la hora de rodar (toma única en su web da consejos prácticos sobre como rodar en Super8) pero dar una explicación chicos que nadie os va a comer. En fin, "Sobran las palabras", perdón las imágenes.
La película ganadora de imagen y también de sonido fue: El Sr. Tirillas en "Aventura en la playa" una comedia de José Mª "Ptt" Abarca. Se llevaron premio también "Suplantados" de Valentín J. Alejandrez una mezcla de ciencia-ficción y comedia muy buena donde se demuestra que es posible contar una historia en 3 minutos.
Además hicieron una puesta en escena espectacular con sonorización en directo a cargo de 2 actrices en los papeles de abuela/nieta, músicas y un coro.
"Trip" de PAL que ya participaron el año pasado, se llevaron un premio al sonido muy merecido con una estruendosa actuación acompañando las imágenes de un viaje en coche por la ciudad.Comentaros que los 2 trabajos que más gustaron a los extraños no fueron premiados.
Sus títulos: "COCOn la muerte en los talones" rodado íntegramente en Nueva York por Pil-Pil Productions y "El club Bildenberg", falso documental dirigido por José Pujol y David Tiedra.Para terminar, nos cayeron superbien 2 freakys del Super8 que vestidos de operarios alemanes repartían a la entrada tarjetas de su empresa con una tira de super8 grapada en la esquina.
Les hacemos un poco de publi que no cuesta nada, se llaman Lili-Films y ofrecen servicios como la restauración y catalogación de 8mm y Super8, digitalización de estos formatos, realización de películas y lo mejor, cine a domicilio, proyectan en casas particulares.
Pues eso, ¡larga vida al super8! Y atentos todos a las bases del nuevo, Toma única.

36 ALCINE [2006]

Alcalá de Henares celebró la edición número 36 de su festival de cine de cortometrajes entre los días 10 a 18 de Noviembre. Las sesiones se desarrollaron como viene siendo habitual en el emblemático teatro Cervantes y el más moderno cine Cisneros.
Alcine demostró ser el festival de cine más importante en formato corto de España partiendo de la preciosa sala de exhibición que resulta el teatro, sede principal del certamen donde pudimos ver trabajos de gran calidad artística y culminando con una ceremonia de entrega de premios que huye de la megalomanía permitiendo homenajear directamente a los creadores, auténtica razón junto al público de la existencia de este festival. Alcine36 contó con tres sesiones competitivas.

En la principal el: “Certamen Nacional de Cortometrajes” participaron 41 cortos. Lo más destacado, la excelente actuación de Marta Belenguer en El futuro está en el porno; del valenciano Vicente Villanueva, trofeo a la mejor actriz. Marta, realiza un portentoso “casi monólogo” pleno de intensidad que nos acerca al corazón de una persona mal integrada “que sólo recuerda haber sido feliz de muy pequeña”. En quince minutos de duración le da tiempo a evolucionar en la peligrosa cuesta abajo que deducimos continuará su personaje, una vez apagados los focos. Así partiendo de situaciones hilarantes, el espectador termina sintiendo cómo se hiela su sonrisa, quedando realmente conmovido también, gracias a una dirección que se llevó el primer premio Comunidad de Madrid. Debería haberse llevado alguno más.

Avatar de Lluís Quílez, (tercer premio;Ciudad de Alcalá) cuenta la historia de una pareja de posición acomodada que tiene un gran problema; el hombre es un impedido que requiere ayuda absoluta para vivir. La perspectiva del espectador ante esta situación evoluciona gracias a la gran actuación de ambos actores Rosana Pastor y en especial, Sebastián Haro y una dirección que maneja como ninguna otra en este festival el tempo narrativo, la intriga y que logra emplear con éxito una herramienta del mejor cine: que como espectadores en un momento dado, sepamos más que el personaje (el niño) sobre el estado de la acción (qué les ha sucedido a sus padres). Finalmente, cabe destacar la gran capacidad de síntesis de Lluis Quilez para comunicar al espectador en una sola imagen (una fotografía) gran parte de la información que necesita para situar el contexto de la acción.

Desconocidos del almeriense David del Águila se llevó la mención especial del Jurado. Este interesante corto trata de la incomunicación familiar en un núcleo formado por una pareja con dos hijos. Ocupados en tareas individuales como la visión de un partido de fútbol televisado o de la película ¿Qué he hecho yo para merecer esto?”, en un chat o un videojuego, los personajes se nos aparecen separados por efecto de la tecnología. Hasta que un corte de luz hace que cese la causa de su distanciamiento...

Salad days se llevó justamente el premio al mejor montaje. A través un diálogo entre dos reponedoras de un supermercado retrata las condiciones laborales que sufrimos los miembros de la supuesta sociedad del bienestar (¿cómo conseguirían el permiso de Sabeco para filmar en sus instalaciones?). Además de gozar de una calidad de imagen superior a la media y de contar con la mejor selección musical en su banda sonora, es uno de los pocos cortos participantes que busca una forma de narrar diferente a la habitual, lo que le hizo merecedor del citado galardón.

El Primer Premio Ciudad de Alcalá For(r)est in the des(s)ert de Luiso Berdejo, calificado por el propio director como de “bastante marciano” en la rueda de prensa en que se hizo público el palmarés. El tema se sale totalmente de los recurrentes problemas de comunicación o de pareja para hablar de algo tan inesperado como la abducción por extraterrestres, algo que hace incorporando imágenes animadas y manteniendo el inglés como idioma de expresión. Asimismo la calidad de las imágenes, cuenta con bastantes exteriores, lo distingue de los demás participantes. Un buen corto, quizás… yo no lo entendí.

Con El prestidigitador; el profesor de instituto Hugo Sanz se llevó el premio del público por una historia de corta anécdota sobre un alumno, un profesor y una chuleta. Destaca el paso acelerado del tiempo en el reloj de la clase y el ambiente de duelo casi-western entre profesor y alumno examinado.

Resultaron también galardonados El relevo de David González (Segundo Premio Ciudad de Alcalá) por una descripción fuera de cámara de posturas sexuales exentas de pasión con un fin puramente reproductor. Posiblemente el jurado valoró la capacidad de narrarlo sin acudir a imágenes explícitas, a la vez que se transmite cómo las necesidades económicas y la rutina pueden expulsar la pasión que quizá hubo en otro tiempo dentro de una pareja.

El resto de cortos galardonados no aparecen entre los más destacables en mi opinión (salvo por lo negativo, el dirigido por el famoso Nacho Vigalondo; Choque) La mayor injusticia cometida por el Jurado fue la no concesión del premio al mejor actor a Sebastián Haro, en lugar de los galardonados, los niños Christopher Torres, de Lo importante y Christian Hernández, El prestidigitador

La segunda sesión competitiva, Pantalla abierta, también con sede en el teatro Cervantes exhibió seis largometrajes de directores noveles españoles estrenados durante 2006.
El jurado popular concedió el trofeo a la mejor película a la ópera prima AzulOscuroCasiNegro de Daniel Sánchez Arévalo que ganó por aclamación según se desprende de los aplausos al terminar la sesión, inusuales en este Festival de público poco expresivo.
Entre la participación que lograron los organizadores del Certamen (y merecen por ello ser felicitados) destaca la flamante Lo que sé de Lola estrenada sólo un mes antes en el Festival de San Sebastián, premiada en el de Londres, y todavía en cartelera.
Destaca también Vida y color y Zulo, seguramente la más atrevida de las seis participantes y la que abre paso a otras formas de transmisión a través del cine con un argumento elíptico relacionado con la depresión.

La tercera sesión competitiva, el Certamen internacional de Cortos, que fijó su sede en el cine Cisneros I, contó con la participación de 35 cortos.
El jurado popular adjudicó el premio del público a Not there yet, del irlandés Jason Tammenagi, un corto de animación que nos muestra una vez más la similitud entre nuestra sociedad y la irlandesa. En clave de irónico humor trata del problema del transporte que uno necesita tomar para poder ir a trabajar en su día a día.
El Festival contó con otras sesiones no competitivas, entre ellas Miradas para el nuevo milenio, que completó por si sola las 14 proyecciones de la sala Cisneros II, con otras tantas óperas prima de directores españoles de esta primera década del siglo XXI: Tapas, Smoking room o El taxista ful.

El resto de secciones fueron exhibidas en la salas Cisneros. Entre ellas destacan Corto y cómic, Cortos de los vecinos (portugueses) Europa en cortos” y el palmarés de la última edición del Festival de Cine Publicitario de Cannes.

Asimismo, se celebraron eventos paralelos a las proyecciones, como las exposiciones sobre cine y cómic y sobre el director alemán Werner Herzog. Las jornadas de cine de bajo coste dirigidas por Pedro Temboury (director de los títulos Kárate a muerte en Torremolinos y Ellos robaron la picha de Hitler) y como colofón el concierto de la actriz y cantante Najwa Nimri celebrado la noche del viernes 17, el mismo día en que se estrenaba en las salas comerciales de Madrid su última película Trastorno

El festival culminó con una simpática ceremonia de clausura de unos cuarenta minutos en la que se repartieron los diferentes premios concedidos y que sirvió de homenaje a los galardonados. Sirvió como corto anticipo de la proyección completa del Palmarés. La ceremonia sirvió para dar lustre al festival y contó con la presencia de conocidos de nuestro cine, entre los que destacó una glamourosísima Lola Dueñas (protagonista de Lo que sé de Lola). Me gustó también ver a la estupenda Rosana Pastor (Avatar) entregando un premio cuando muy bien ella misma podría haber estado recogiendo el de mejor actriz.Pese a la buena organización del festival, sin embargo entre los puntos negativos, queda señalar que en la ciudad no se respiraba el ambiente festivalero - artístico - cinéfilo de otras ciudades como Málaga o San Sebastián. Quizás se debe al poco apoyo de las instituciones y a la escasa publicidad con la que cuenta fuera de Alcalá.

Iñaki Lancelot

51 FESTIVAL DE CINE DE VALLADOLID - SEMINCI [2006]

Y van ya 51 ediciones de "este frío festival castellano", el de mayor solera en España después de San Sebastián. Una persistente lluvia otoñal acompañó este año la semana internacional de cine donde volvimos a ver, como siempre mucho cine español y latinoamericano además de las últimas películas dirigidas por los también habituales, Goran Paskaljevic y Stephen Frears.

La gala de inauguración fue con un curioso largo de animación, "Azur et asmar" dirigido por el francés Michel Ocelot y que también cuenta con coproducción española. En sección oficial a concurso, nuestro cine estuvo presente con títulos como "La caja" del canario Juan Carlos Falcón, "El ciclo Dreyer" del veterano Álvaro del Amo protagonizada por los televisivos Pablo Rivero (Cuentame, como pasó), Elena Ballesteros (Paco y Veva) y Fernando Andina (El Comisario). "Mujeres en el parque" una atractiva historia contada por el singular Felipe Vega con un estupendo reparto encabezado por Blanca Apilánez y Adolfo Fernandez, se vio el primer día y fue la propuesta española más interesante.
"Optimisti" (Optimistas) del serbio Goran Paskaljevic, uno de los mejores directores de la actualidad, viejo conocido de Valladolid aunque no suficientemente reconocido fuera, se llevó la Espiga de oro a la mejor película con Optimisti (Optimistas). Una historia de vidas cruzadas basadas en "Candido", la conocida obra satírica de Voltaire y en su lema: "el optimismo consiste en insistir en que todo va bien cuando todo va mal". Su protagonista, el actor habitual de Paskaljevic, Lazar Ristovski fue premiado como mejor intérprete.

A Stephen Frears, la seminci le dedicó una retrospectiva ya en 1989 cuando triunfaba internacionalmente con "Las amistades peligrosas", desde entonces, ha llovido mucho y Frears ha dirigido otras grandes películas como "Los timadores", "Café irlandés", "La camioneta" o "Alta fidelidad". En sección oficial presentó con muy buenas críticas, "The Queen" con la que su protagonista, la actriz británica Hellen Mirren se llevó la Copa Volpi en el último festival de Venecia. La Mirren se atreve nada menos que con la reina Isabel II. La película retrata la particularísima tensión que se dio entre la monarquía y la calle aquel inolvidable mes de septiembre de 1997 cuando Inglaterra se desbordó tras el accidente mortal que sufrió la princesa Diana de Gales.

"Zemestan" (En invierno) ópera prima de Rafi Pitts es una película iraní diferente, en el sentido de que es una historia mucho más comercial y dinámica, con un ritmo distinto al "clásico cine iraní" es decir más fácil de ver, para el gran público.
El cine americano, estuvo representado por un polémico documental conducido por el político y ecologista, Al Gore que está dando bastante que hablar: "An Inconvenient truth" (Una verdad incómoda) de David Guggenheim. La película da miedo, exagera lo justo y conciencia sobre lo que supone el calentamiento global del planeta.
Philip Noice dirige a Tim Robbins en "Catch a Fire" pero como este no es un festival de glamour y alfombra roja pues no fueron a hablar de ella ninguno de los dos.
El joven argentino Daniel Burman, cerró su "trilogía del padre" con la divertida y entrañable, "Derecho de familia" mi película favorita en la seminci de este año protagonizada por el irresistible Daniel Hendler, uno de los mejores galanes cómicos de la actualidad.

La sección paralela a la oficial, es Punto de encuentro. El realizador mexicano Paul Leduc, miembro del jurado participó con la película, "Cobrador, In God we trust" que demuestra una vez más la buena salud del cine mexicano.
2 clásicos del cine tuvieron copia restaurada para disfrutar: "Deus e o diablo na terra do sol" dirigida por el maestro del cinema novo brasileño, Glauber Rocha y "Robinson Crusoe" uno de los títulos menos conocidos de la etapa mexicano americana de Luis Buñuel.
En esta sección, la única película española que optaba a premio era "De bares" debut en el largo del premiado director del corto: "Madres" Mario Iglesias. Una película rodada en digital, con muchos actores y bajo presupuesto que tiene algunos momentos conseguidos de guión y actores pero que se pierde con una dirección sin ningún criterio.
Una de las mejores secciones del festival es la dedicada al cine documental que bajo el título,

Tiempo de Historia abarca las mejores producciones dentro de este género en los últimos meses. Se llevó el premio, la valiente, "Las alas de la vida" dirigida por Antoni P. Canet. Una interesantísima película que nos presenta a Carlos Cristos un médico gallego afincado en Mallorca que siempre ha llevado una vida muy activa. Carlos vive con su mujer, Carmen Font, médico también y con la hija de 8 años, Carmela. Como médico ha tenido que transmitir diagnósticos graves a sus pacientes y acompañar a algunos hasta su muerte. Su vida cambió cuando se sentó ante su propio médico para escuchar su diagnóstico, Carlos padece A.M.S. una enfermedad neurodegenerativa, invalidante y mortal. Con plena lucidez, él reclama junto a su familia y colegas una vida y una muerte dignas.
El tercer film de la saga de Fernando Solanas sobre Argentina, "Argentina latente" aborda la reconstrucción del país después de la grave crisis del 2002 a partir de sus propios recursos naturales, industriales y científicos.
Pedro Costa, con premio honorífico y retrospectiva completa incluida, sigue en activo y dentro de Tiempo de historia, estrenó su última obra: "Los que quisieron matar a Franco" codirigida con José Ramón da Cruz.

El ciclo a Pedro Olea incluyó toda su obra tanto en cine como en televisión desde sus comienzos a finales de los 60 con "Días de viejo color" (1967) y "El bosque del lobo" (1969) pasando por títulos emblemáticos de la transición: "Pim, pam pum…¡Fuego! Protagonizada por Concha Velasco y Fernando Fernán Gómez y "Un hombre llamado flor de otoño" (1978) interpretada por un inolvidable Pepe Sacristán a las más recientes: "Morirás en Chafarinas" (1995) y "Tiempo de tormenta" (2003).
Los 150 años del diario vallisoletano, El norte de Castilla, dieron para preparar el ciclo de "Cine entre líneas" con una recopilación de algunos de los mejores títulos que ha dado el periodismo en el cine.
Oportunidad única para ver por primera vez o disfrutar, una vez más de obras maestras como "El gran carnaval" de Billy Wilder, "Ciudadano Kane" de Orson Welles o "Luna nueva" de Howard Hawks.El tercer ciclo en curso fue para el padre de Bollywood, el cineasta indio Satyajit Ray, creador de la trilogía de Apu, con la proyección en presencia de su hijo de películas que no se habían visto antes en España.

El último ciclo, metido este año con calzador, tenía que ver con "Los videojuegos y el cine", un batiburrillo de títulos donde tan sólo merece la pena destacar la proyección del clásico de la ciencia ficción "Tron" (1982) cinta pionera en el uso de efectos digitales.
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